В предыдущей части мы познакомились с художественным музеем города Иркутска, узнали его историю, основателя музея иркутянина Владимира Платоновича Сукачёва. Побывали на экспозиции посвящённой иконописи, а также с некоторыми работами в зале «Русское искусство XV–XXI веков». XVIII век вошёл в историю русской живописи как «век портрета». За одно столетие отечественные художники – бывшие иконописцы – не только освоили новую светскую живопись, но и сумели превзойти многих европейских мастеров.
Продолжаю свой рассказ, теперь я хочу рассказать о картине С.С. Щукина «Портрет Павла I в рост». Портрет императора Павла I в форме офицера Преображенского полка написал в 1797 году выпускник Петербургской Академии художеств Степан Семёнович Щукин. За него художник был удостоен почётного звания академика. Единственный портретист, который почти не испытал влияния западного искусства. Позднее, так как заказов на портрет было множество, автор повторял его с помощью учеников. Перед нами одно из повторений, исполненное после 1798 года, когда Павел стал кавалером Мальтийского ордена и был удостоен знака его – Мальтийского креста, впервые появившегося на нашем варианте. Главное достоинство портрета – правдивая трактовка образа. Щукин первым посягнул на «святая святых» – парадное изображение государя-императора: здесь ни одежда, ни фон не указывают на первую особу. Перед нами офицер Преображенского полка, принимающий военный парад. Ощущение напряжённой внутренней жизни с глубочайшей силой передано через выражение лица, движение фигуры. Лицо — не застывшая маска: в нем душевная неуравновешенность, болезненная подозрительность. Сдержанная гамма серовато-зеленых тонов ещё более оттеняет живой образ «русского Гамлета». Портрет выполнен в необычном стиле. На заднем плане нет никакого отвлекающего фона, всё сосредоточено на личности. Вообще Павел заказывал себе два портрета, Щукин для него выполнил два варианта: один был вариант — Павел на коне, второй — в полный рост. Павел выбрал этот портрет, т.к. от него ничего не отвлекает смотрящего. Мы видим только такого величественного, представительного императора, каким Павел и хотел себя видеть. По воспоминаниям современников, он был небольшого роста, щуплый, с обезображенным лицом после оспы, переболевшим ещё в детстве, черты лица его были искажены. Художник здесь сумел передать то, что хотел видеть император. Эта была черта того времени — польстить заказчику. Человек, который платил деньги, хотел видеть себя наиболее таким привлекательным.
Вместе с тем это психологический портрет одной из самых противоречивых личностей в отечественной истории. Ощущение напряжённой внутренней жизни с глубочайшей тонкостью передано через движение фигуры. Вспомним, что Павел I (1754-1801) – российский император с 1796, сын Петра III и Екатерины II. Был убит в результате дворянского заговора. Художник начала XX века Александр Бенуа, избравший темой своего творчества XVIII век, назвал этот портрет лучшим, стоящим «целого исторического сочинения». Портрет был передан в собрание музея в 1963 году из Государственного музейного фонда, ранее он находился в собрании Русского музея. Первенец хранится в Третьяковской галерее, а этот шедевр достался Иркутску.
Наряду с парадными портретами существовали так называемые «камерные портреты». Камерный портрет в России XVIII века предполагал представление человека на нейтральном фоне, по пояс, по грудь либо по плечи. Особое внимание уделялось индивидуальным особенностям модели. Такие портреты показывали внутренний мир человека, его душевные переживания. Здесь более неформальная обстановка, одежда более домашняя, поскольку такие портреты вешались в домашних галереях, в качестве родового, мемориального воспоминания представителей своего Рода.
В 1757 году была открыта Академия художеств — высшее учебное заведение, одновременно ставшее художественным центром страны. Ведущим жанром в Академии был исторический, представленный библейской и мифологической тематикой. Примеры таких картин Доменико Скотти «Прикованная Андромеда». В 1807 году Скотти получает от Петербургской академии художеств звание «назначенного в академики» и в этом же году пишет картину «Прикованная Андромеда», о чём свидетельствует подпись художника с датой исполнения в нижней части холста. Сюжет взят из древнегреческой мифологии: Андромеда, дочь царя Эфиопии Кефея и царицы Кассиопеи, была обречена стать искупительной жертвой страшного дракона, посланного богом морей Посейдоном в отместку Кассиопее, не в меру похвалявшейся своей красотой. Андромеду спасает Персей – сын Данаи и Зевса. Пролетая над морем с головой побеждённой Медузы, он видит прикованную к скале Андромеду, подплывающее чудовище, вступает в единоборство с ним и одерживает победу. Популярность данного сюжета в России относится ко времени войны с Наполеоном: например, в этом же году поэтом Державиным была написана «кантата» «Персей и Андромеда» (или «На победу французов русскими»). У Державина прикованную к скале Андромеду (Европу) спасает от чудовища (Наполеона) герой Персей, олицетворяющий Россию и Александра I. Картина поступила в 1976 году, это дар московского коллекционера Феликса Вишневского.
Сюжет из истории неизвестного автора «Александр Македонский разрубает Гордиев узел». Скорее всего, автор этой картины – выпускник Императорской академии художеств в Петербурге, где в конце XVIII – начале XIX века преобладали сюжеты из античной истории и мифологии. Главный герой картины – Александр Македонский – один из величайших полководцев Древней Греции, стремившийся к созданию Великой Империи. Ещё одно конкретное лицо в картине – старец Гордий – когда-то простой крестьянин, ставший чудесным образом Фригийским царём. В память об этом, он принёс в дар храму Зевса телегу, на которой въехал в город и привязал её к алтарю сложным узлом. Оракул предсказал, что человеку, который распутает «гордиев узел», покорится весь мир. Александр, уже завоевавший Фригию, должен был развязать этот узел. На картине, в центре, вы видите Александра, вступившего со своими воинами в храм Зевса. В его поднятой руке занесённый меч. Гордий предлагает ему развязать узел. Картина исполнена по канонам академической живописи: действие театрализовано, лица «классически» однообразны, жесты красноречивы, главный герой выделен центральным положением, ярким цветом и светом. Известно, что Александр разрубил узел мечом. «Он завоюет мир! Но мечом, а не дипломатией», – заключили жрецы. Картина поступила в 1929 году из Политуправления 5-й Армии.
В тоже время, вторым по значимости, начинают развиваться такие жанры как пейзаж. Главная задача художника — создать образ вечной и прекрасной природы. Человек в таком пейзаже играет роль второстепенного персонажа, подчас своей мизерностью подчёркивая масштабы природы. В отличие от учителя Щедрина, Федор Михайлович Матвеев (1758–1826) верен эстетике классицизма. В «Итальянском пейзаже» натура превращена в логически стройное произведение с разделением на три плана (коричневый, зеленый, голубой), создающие иллюзию глубины и пространства. Древние горы, высокое небо, старинная архитектура — образ вечной природы, способный вдохновлять и очищать душу. Люди, животные, введенные как стаффаж (второстепенные детали), выглядят более достоверными. Поскольку художники в основном академической живописи учатся у итальянцев, которые считались родоначальниками академического стиля в живописи, то пейзаж идеализирующий, т.е нереальный, а просто в мастерской художника произведённый по памяти, украшенный в большей степени, напоминающий итальянский пейзаж, русской природы здесь не видно. Это связано именно с тем, что художники учатся осваивать перспективу и законы построения композиций. Это своеобразные театральные декорации, которые нужно было по определенным законам построить, соблюсти определённые пропорции, линию горизонта, которая должна быть на правильном месте и перспективу, которая находилась бы в нужном месте. Люди, животные введены в качестве оживления, украшения и смысловой нагрузки они не несут, в отличии от исторического жанра, в котором есть обязательно сюжет.
Однако уже в конце века в русском пейзаже зарождается движение к простоте и естественности. Родоначальником пейзажа — настроения был Семён Щедрин. «Пейзаж с коровами» написан с натуры и передаёт картину сельской идиллии. Учился Семён в Академии художеств у А. Перезинотти. Впоследствии профессор Щедрин возглавил новый класс в Академии – ландшафтный (пейзажный). Успех сопутствовал ему: при Екатерине II назначен «в кабинет её величества писать виды дворцов и парков», при Павле I − придворный мастер, «отечественный Гюбер Робер». В «Пейзаже с коровами» сквозь условные классические приемы: композиция с кулисой-деревом, «трехцветка», создающая иллюзию пространства — прорываются искренность и свежесть в передаче любимого мотива художника: пышные деревья по берегам тихой реки, стадо, рыбаки.
В Академии художеств второй половины XVIII века сложилась система обучения с чётко выраженной программой и методикой. Благодаря ей, отсюда выходили подготовленные мастера, которые сумели постепенно заменить художников-иностранцев. Это была большая победа русской художественной школы. По уставу 1764 года весь курс обучения был рассчитан на 15 лет. В течение первых девяти, воспитанники разных классов готовились по единой программе, получая общеобразовательную и художественно-теоретическую подготовку. В последние шесть лет они обучались в специальных классах, носивших характер мастерских и отличавшихся особенностями преподавания у каждого художника-педагога. Из всей системы научных знаний XVIII века академия пыталась отобрать прежде всего то, без чего нельзя было представить художника. Перспектива и оптика, история, география, анатомия были основой будущей специальности. В академии учитывались индивидуальные способности ученика, строго соблюдалась очерёдность занятий в зависимости от степени подготовленности воспитанника. Воспитывалось умение сосредоточить усилия на главном, анализировать свои и чужие произведения. Поощряя успехи воспитанников, Академия художеств назначала им различные звания не только при выпуске, но и в процессе обучения. Руководства конца XVIII века пестрят призывами к выработке технических навыков рисунка как основе, которая поможет создавать подлинные произведения искусства. «…Кто прямыя линеи твёрдо и исправно научится карандашем проводить, тот в состоянии со временем будет и другие фигуры чертить исправно. Хотя прямые линеи не во всякой фигуре изображены быть кажется… их должно во время рисованья всякой фигуры мысленно представлять себе… Всего более должно упражняться в рисованьи абриса, и к тушеванью не приступать до тех пор, пока не навыкнешь верно обрисовывать фигуры, потому что сие главное каждого предмета начало и совершенство». Цитата даёт представление о том, какое значение придавалось ремеслу, безукоризненному владению техникой. Лишь после этого можно было «творить». Система обучения, сформировавшаяся в конце XVIII века в стенах Академии художеств, была неразрывно связана с передовыми устремлениями русской педагогики. Она была плодотворна и способствовала воспитанию прекрасных мастеров во всех областях искусства.
Мы переходим в зал Русского искусства первой половины XIX века. Развивается русский романтизм — мировоззрение, которое проявляет себя не только в общественной сфере, философии, литературе, но и в изобразительном искусстве. Основным становится метод реалистического показа действительности. Переживает расцвет русский портрет. Глубина и сложность, противоречивость и изменчивость неповторимой человеческой личности становятся главной темой портретов начала XIX века. Герой этого времени — человек, живущий в мире мечты и высоких идеалов. Романтический портрет не только раскрывает новые грани человеческого характера, но и неизвестные прежде возможности живописи. Новые демократические веяния в живописи связаны с появлением в портретах героев из народа — купцов, крестьян, разночинцев, Эти произведения отличаются искренностью, вниманием к внутреннему миру простого человека. К таким картинам можно отнести: «Старик с трубкой», «Портрет военного», «Портрет неизвестного с письмом».
В начале XIX века художники уже в полной мере овладевают навыками. Если сравнить с предыдущим залом, то здесь видно как развилось мастерство художников. По прежнему ведущим в жизни художника является Академия художеств, в которой художники овладевают именно навыками академической живописи и Академия в очень большой степени влияет на жизнь художника. Если ты не доучился, то заказы принимать тебе никто не даст. Пример такого обучения была личность Тропинина, т.к. он был крепостным, обучаться он там не мог, но его талант оценили и было разрешено обучение в качестве вольного слушателя. Звание Академика он получил только в 48 лет, только после того, как получил вольную.
Перед нами произведение одного из лучших портретистов первой половины XIX века. Василий Андреевич Тропинин – создатель нового типа портрета, в котором больше простоты, стремления непредвзято изобразить современника. Эти черты проистекают из самой личности художника. Тропинин родился в семье крепостного крестьянина. В 1798 году Тропинин отпущен в Академию художеств в портретный класс С. Щукина. Талантливому юноше не удалось закончить Академию по классу знаменитого портретиста Щукина: хозяин возвращает его в имение. Вынужденный вновь исполнять обязанности слуги, продолжал заниматься живописью. В 1823 году художник откупается и получает вольную, в 1824 году – звание академика портретной живописи. Ему предлагают место в Петербургской Академии художеств, но Тропинин выбирает Москву. Тропинин открывает московскую школу лирического портрета. Именно в Москве, лишенной холодности и чопорности Петербурга, художник создает галерею запоминающихся образов — художников, актёров, музыкантов, военных.
«Портрет неизвестного» исполнен, по всей вероятности, в столице. В «Портрете неизвестного» на фоне романтического пейзажа создан типичный образ московского жителя: непринужденная поза, спокойствие, доброжелательность в выражении лица, которое притягивает умом, добротой и мягкостью черт, внутренняя раскрепощенность. Романтический пейзаж усиливает эмоциональность образа. На всём облике лежит «печать благородного достоинства». Картина поступила в музей в 1950 году от Московской закупочной комиссии.
Становится важной не только техника выполнения, не просто нарисовать похожего человека, не только подчеркнуть его статус, здесь уже на живопись влияет эпоха Романтизма. Мастера стремились познать и передать индивидуальность человека, раскрыть его внутренний мир. В картинах, как правило, герои сидят на открытом фоне, сзади какой нибудь пейзаж, дерево, взгляд его устремлён вдаль. По поводу романтизма того времени существовало такое высказывание, что мужчина мог быть либо влюблён, либо страдать от неразделённой любви. В живописи это чётко выражено, поскольку даже портрет Сперанского написан в такой манере. Это известный политический деятель своего времени, хотя изображён в кабинете, но окно открывает пространство, символизируя полёт его политической мысли, взгляд у него задумчив, вдаль направлен, всё такое романтичное.
Также прослеживается в академической живописи героический романтизм — это идеализированные изображение. На картине Александра Васильевича Нотбека «Сократ перед своей кончиной» беседует со своими учениками о бессмертии души. В 1829 году он принял участие в академическом конкурсе на тему: «Кончина философа Сократа (ок. 469–399 г. до н.э.), который был ложно обвинён в «безбожии», «совращении молодёжи» и по приговору суда выпил яд». Нотбек, пользуясь описанием этого момента, сделанным воспитанником Сократа Платоном, создает многофигурную композицию, дословно воспроизводя торжественную и печальную сцену прощания. Перед нами тюремная камера, центральная фигура Сократа выделена жестом, ярким цветом и светом. По воспоминаниям современников, был достаточно преклонного возраста, низким, полноватым, лысоватым мужчиной к тому времени: — «низкого роста, с раздутым животом, короткой шеей, выпученными глазами и вздернутыми ноздрями, Сократ казался живым сатиром». Согласно академическим канонам внешность философа облагорожена, здесь мы видим идеальный образ греческого героя, в красной пурпурной тоге, которой у него тоже не могло быть, поскольку пурпурный цвет это наиболее дорогой краситель в то время, а он был бедным философом, который постоянно спорил с властью, за что собственно и был приговорён. Он открыто выступал против несправедливости, который совершал правитель и его приговорили к смерти, через испития чаши с ядом. Справа, в глубине – приоткрытая дверь, в проёме которой виден стражник, несущий яд. Вообще Сократу было предложено бежать и жить в изгнании, но поскольку он всегда сам проповедовал, что закон нужно соблюдать, даже если закон несправедлив, гражданин должен его соблюдать. От своих слов отказываться не стал и принял такую смерть. Это своеобразный образец академического искусства, т.к. данная работа является работой выпускников Академии. По окончании обучения каждый художник получает задание на определённую тему. Эта работа как раз на Большую золотую медаль Академии.
Сведения об Александре Васильевиче Нотбеке чрезвычайно скупы. Известно, что он закончил Петербургскую академию по классу Василия Шебуева. Учился в одно время с Александром Ивановым, автором знаменитой картины «Явление Христа народу». После окончания в 1824 году Нотбек был оставлен при Академии и только через 5 лет принял участие в главном академическом конкурсе на Большую золотую медаль. Ученик Сократа, философ Платон, воссоздал последний день его жизни. Нотбек, обращаясь к этому описанию, уверенно строит многофигурную композицию, почти дословно воспроизводя сцену прощания в мрачном тюремном каземате. Он выбирает мгновение, проникнутое особой торжественностью и печалью. Всеобщая скорбь передана через позы, жесты, движения. Сохранилось лишь несколько мелких произведений Нотбека. Иркутское полотно – самая значительная работа художника. Картина поступила в 1951 году из Русского музея.
Большой «Портрет императрицы Александры Фёдоровны», написанный Карлом Рейхелем в Иркутске в 1846 году, прошёл реставрацию в художественном музее в 2016 году. «В ходе реставрации был проведено местное укрепление красочного слоя, регенерация старой лаковой пленки и покрытие новым лаком. Реставрационные процессы имеют определённую последовательность, все работы одновременно проводить нельзя, поэтому на реставрацию портрета ушло больше года». Портрет супруги Николая I, которая являлась покровителем первых сибирских женских учебных заведений, до 1920 года находился в здании Девичьего института Восточной Сибири. Картина размещалась в большом зале на втором этаже. Среди учениц бытовало поверье: если помолиться перед портретом и Александра Фёдоровна кивнёт головой, то успех в учебе обеспечен. Если нет – придётся рассчитывать только на свои силы. Девичий институт Восточной Сибири был задуман как маленькая копия Смольного института в Петербурге. Учреждение торжественно открыли 1 июля 1845 года — в день рождения Александры Фёдоровны. Шесть лет институт размещался в деревянном здании, а в 1861 году переехал в новое трёхэтажное каменное здание на берегу Ангары, где сейчас размещается физический факультет ИГУ. Александра Федоровна изображена во весь рост в парадном зале Зимнего дворца в светлом шелковом платье с кружевами и длинными нитями жемчуга, со сверкающей драгоценностями короны. Подпись на портрете говорит о том, что портрет исполнен в Иркутске, случай редчайший, т.к. обычно предназначенные для Иркутска портреты рождались в столице, в мастерских художниках, а потом отправлялись в дальнюю дорогу. Здесь же художник Рейхель находился в Иркутске со своим семейством и получил заказ на написание картины для Девичьего института. Напрашивался вопрос, как он мог написать картину находясь вдали от дома Романовых, ответ один — он пользовался каким то образцом. При тщательном изучении этого вопроса нашли подобную репродукцию 1841 года, кисти английской художницы Кристины Робертсон — британская (шотландская) художница, популярный мастер салонного портрета, несколько лет работавшая при российском императорском дворе. Портрет был скопирован с гравировки, т.е. художник пользовался графической работой. В пользу того, что он не просто копировал говорят отдельные несовпадения. У портрета Робертсон портрет идеализирован, в нём императрица, которой исполнилось 53 года кажется совсем юной. В своей вольной копией Рейхелю удалось найти золотую середину, его императрица выглядит постарше, но в её лице нет гнетущих переживаний матери о своих детях, а есть состояние нежной материнской заботы о своих подопечных по всей России. Ещё художник приблизил императрицу к краю холста, тем самым уничтожил грань, разделяющую государыню и её скромных подопечных. Такой человечный образ как нельзя лучше подходил для идеальной закрытой атмосферы женского института, в котором юные барышни учились и жили вдали от семьи, от своих матерей.
Другим важным для романтиков жанром стал пейзаж. Художники отошли от идеализации видов — в их работах появлялись образы переходных состояний природы, лунной ночи, бескрайнего моря, а также раскрывалась тема отношений человека и стихии. В русском пейзаже существует два направления: классическое («Вид Палермо», «Вид Иерусалима») и новое, реалистическое с оттенком романтики («Вид Неаполя», «Бой корабля Флора»).
Виды Палермо художник создал в 1846 году, во время путешествия в Италию. Последние годы жизни Воробьёв занимался преимущественно итальянскими видами, по этюдам, сделанным им в окрестностях Рима и Палермо.
Повторение картины 1854 г. «Вид Иерусалима», находящейся в государственной Третьяковской галерее. На картине изображена панорама Иерусалима, художник тщательно прорисовывает все архитектурные элементы и вместе с тем придаёт пейзажу романтическую окраску. Золотистый свет льётся из глубины слева, весь передний план погружён в вечерний полумрак. Левый край полотна заполняет причудливый силуэт раскидистой старой оливы.
Впечатляющий вид Иерусалима с Елеонской (Масличной) горы открывает часть дневника Чернецовых, повествующую о путешествии по местам явления чудес и крестных страданий Христа. Пейзаж можно считать документальным, с такой точностью изображены на нем силуэты мечетей и христианских храмов, деревья и гробницы пророков. Тот факт, что картина была написана через двадцать лет после поездки, не лишает ее достоверности, ибо Чернецовы всегда использовали для своих картин наброски и штудии, сделанные непосредственно на натуре.
Сильвестр Щедрин (1791, Петербург – 1830, Сорренто, Италия) стал первым великим поэтом не только в русской, но и мировой живописи: вопреки господствующему историзму в классическом пейзаже, он стремился передать романтику современной Италии. Его любимый город — не исторический Рим, а Неаполь — город простых рыбаков. Большой шаг вперёд Щедрин сделал в изображении людей. Человеческие фигуры в его картинах не просто стаффаж (условные фигурки людей, оживляющие пейзаж и показывающие масштаб архитектуры), а живые люди, занятые своей повседневной работой. Здесь изображена природа, не подавляющая человека своим величием, а созвучная ему.
В произведениях художников-романтиков понятия художественной формы и содержания стали неотъемлемыми частями художественного образа, и примеры картин с изображением пейзажей наиболее ясно демонстрируют эту особенность романтической эстетики. Эти работы выражают особое понимание идеи природы, как цельного живого организма, божественного, способного обрушивать ярость на человека, порождать хаос или, наоборот, преподносить дар, что ярко продемонстрировано в живописи художников-романтиков. Материя и дух оказываются неразрывно связанными в понимании художника. Художники-романтики воплощали свои чувственные переживания на холсте через призму своей души. Образ природы у них находит свое выражения в разных формах, материалах, масштабах, техниках, композиции, цвете и рисунке, поскольку в романтизме нет и не может быть готовой творческой формулы или канона.
Продолжение следует…
