Продолжаю свой рассказ, начатый в предыдущей статье, в зале Русского искусства первой половины XIX века. В Академии по-прежнему наивысшим считается жанр исторической картины. Этот жанр представлен в экспозиции работой В.К. Шебуева «Моисей со скрижалями». Это полотно самого выдающегося мастера русской монументальной живописи XIX века.
Василий Кузьмич Шебуев (1777– 1855) родился в Кронштадте в семье чиновника. С 5 лет учился в Академии художеств, окончив её по классу профессора Г. Угрюмова. После 15 лет обучения в Петербургской Академии художеств, он в 1803 году был послан в Италию, где на знаменитых подлинниках изучал основы монументальной живописи. По возвращении, за успехи в живописи, удостоен звания академика, позднее – звания профессора.
Перед нами этюд к плафону (потолочной росписи) внутренней церкви Екатерининского дворца в Царском Селе. Это эскиз к большому полотну для росписи церкви, художник делал его в необычном ракурсе, т.к. изображение должно располагаться на потолке. Эскиз делался для того, чтобы художнику было легче понять, как он будет располагаться в той архитектуре, где будет производиться роспись. История его такова. В 1820 году во дворце случился пожар, в котором погибла роспись знаменитого итальянского мастера Джузеппе Валериани. Воссоздать её по воспоминаниям очевидцев было доверено профессору Шебуеву. Но и его роспись погибла в годы Великой Отечественной войны: дворец был разгромлен и разграблен фашистами. Были утрачены все изображения, потом по таким вот эскизам восстанавливалась роспись в церкви. Этюд сохранился, так как находился в фондах Эрмитажа. Художники не просто рисовали свои картины, их часто приглашали расписывать церкви, фрески рисовать, что тоже было их заработком.
На полотне «Моисей со скрижалями» изображён пророк, получивший от Бога на горе Синай скрижали с начертанными на них десятью заповедями. «…На фоне бело-голубых, отделанных золотом сводов, выделяется могучая фигура Моисея в ярко-красном хитоне… Этюд, отличающийся декоративностью и монументальным характером, даёт яркое представление о живописи несохранившегося плафона». Эта работа поступила в музей в 1928 году из фондов Государственного Эрмитажа.
Первая половина XIX века стала «золотым веком» культуры, эпохи светлых надежд и высоких идеалов. Эпоха романтизма влияет до середины XIX века на живопись. Прослеживается она в творчестве Айвазовского, Брюллова. Айвазовский творил практически всегда в одном жанре — «гения морского пейзажа». «Море – моя жизнь. Проживи я ещё 300 лет, всегда бы нашёл в нём нечто новое», – говорил Иван Айвазовский. В картине «Купание овец», небольшой по размерам картине, живо ощущается бесконечная даль неба и моря. Волшебные, завораживающие краски угасающего дня придают обыденной сценке на переднем плане лирико-романтическое звучание. Все картины Ивана Айвазовского — подлинники. Основатель Иркутского художественного музея Владимир Сукачёв, его троюродный брат Александр Сибиряков жили в одно время с гением. В 1870-80-х годах ходили к Айвазовскому на выставки и покупали его только что написанные картины. Айвазовский никогда не писал своих произведений с натуры, лишь делал наброски.
«Потом вдруг Айвазовский вытащил из кармана вот такую маленькую записную книжечку, взял в руки карандашик, открыл её и говорит: о, вот сейчас сероватые краски, так туманно, вот такая вот погода, стал смотреть влево, вправо, вперёд, поставил несколько линий, провёл слева, потом справа, потом какие-то точечки». А позже, благодаря феноменальной памяти, передавал неуловимые оттенки и краски стихии, которая пленила его навсегда. Иван Айвазовский творил свои марины не отрываясь.
Переходим в следующий зал русского искусства середины XIX века. (50-е начала 70х годов). Это время демократического подъёма в России, приведшего к революционной ситуации. Результатом стала отмена крепостного права 1861 года при Александре II, что однако не принесло ожидаемых перемен. Романтическое направление в русской живописи этого времени определило дальнейшие пути развития искусства в сторону демократизации. Значение исторической темы в художественной среде снижается. В тоже время складывается национальная школа жанровой живописи. Даже в стенах Академии, которая считала жанр лишь родом домашних упражнений, появляются серьёзные жанровые произведения. Жанровая живопись — это жанр, в котором художник изображает сцены из повседневной жизни или исторические события. Излюбленными темами для художников, работающих в этом жанре, являются массовые сцены — городской или сельский праздник, летняя площадка кафе, полевые работы. Появляется так называемый бытовой жанр уже в полной мере, художники пишет сценки из жизни обычных людей.
Шедевр иркутского художественного музея. Картина «Неудавшееся свидание». Никто не может пройти мимо этой картины, не остановившись. Как говорят гиды, эта картина не имеет большой ценности, но она является любимой картиной всех посетителей. Автор картины – русский художник Павел Брюллов (1840-1914), племянник того самого великого Карла Брюллова (1799-1852), работу которого «Последний день Помпеи» знает наверное каждый. В этой картине именно работа со светом, свеча которая светит через человеческую руку, как надо было передать этот свет. Всем, кто первый раз видит картину, кажется, что она подсвечивается изнутри. С картины прямо на вас смотрит девочка-подросток, лет шестнадцати. Печальная, с просвечивающейся ладошкой, прикрывавшей свечу. И в её печальных глазах стоят слезы…
Художники говорили о Брюллове, что он хороший математик, окончил университет и слушал лекции по математике в Англии. Математики уверяли, что он музыкант, окончивший консерваторию, а музыканты возвращали его снова в лоно художников. Окончил Брюллов и университет, и Академию художеств, и консерваторию. Уж очень одаренной была его натура, и казалось, что ему ничего не стоило изучить все три специальности. И действительно, он писал картины, обнаруживал большие знания в математике и играл на виолончели и рояле. Универсальность его знаний, сложность интересов и отзывчивость на все вопросы современности отрывали его от каждой из специальностей и не давали ему углубиться в ремесло искусства по-настоящему. Громкая фамилия с одной стороны, давала нужные связи, а с другой – из-за неё Брюллов пребывал в тени своего известного отца и ещё более известного дяди. С 1874 года и до конца жизни он состоял в Товариществе передвижников, где благодаря безукоризненной честности занимал должность казначея. С 1897 по 1912 год он был хранителем художественного отдела Русского Музея Императора Александра III.
В исторической живописи происходит также уход от древне-греческих и римских тематик. Художники уже пишут на тему русской жизни, русской истории, появляется интерес к своей собственной истории. Конечно, Академия ещё влияет на жизнь художников, но появляется уже альтернатива ей — Московское художественное училище, основанное в 1833 году становится новым центром демократического реалистического искусства. Оно более свободно в своих рамках. Главным в живописи становится бытовой жанр, сцены из повседневной жизни. В нём художников привлекает возможность не только показать своё время, но и выразить своё отношение к социальным проблемам. И хотя в этих произведениях решаются задачи внешнего правдоподобия, само обращение художников — академистов к бытовым сюжетам — шаг к демократическому реалистическому искусству. В середине XIX века в русскую культуру пришло новое поколение художников и писателей – выходцев из социальных «низов». В центре их внимания оказалась судьба нищего, бесправного народа. В литературе – Фёдор Достоевский, в изобразительном искусстве – Леонид Соломаткин и другие. Это была совесть русского искусства.
Бытовой жанр впоследствии перерастает в так называемый жанр критического реализма, т.е. не просто пишет сценку из бытовой жизни, она уже социально — окрашенного назначения. Это передача тяжелой жизни простого народа. В 1861 году отменяется крепостное право и жизнь народа, оторванного от земли, легче не стала, свободу люди получили, а землю нет, земля осталась у помещиков. Крестьяне, которые занимались всю жизнь трудом на земле, были вынуждены искать под час за гроши работу в городах, началась массовая миграция в города.
Леонид Иванович Соломаткин родился в семье крестьян Курской губернии. Самые яркие впечатления детства и юности – пожары, убийства, кражи, похороны. Юную душу спасала природа и добрые люди. Благодаря им и своему таланту он поступил в Московское училище, а позднее в Петербургскую академию художеств, где существовали определённые каноны изображения окружающего мира в идеальном виде. Однако художник идёт своим путём: пишет жанровые картины из жизни «отверженных». В те годы такой народный жанр становится особенно популярным у зрителей, уставших от чужих исторических сюжетов. Однако Соломаткин превзошёл своих более известных современников по художественному мастерству. Перед нами одна из лучших его картин – «Утро у трактира «Золотой бережок». Подлинно реалистическое изображение действительности.
Раннее морозное утро. У дверей ещё закрытого трактира собралась беднота. Освещённое окно притягивает к себе замёрзших, плохо одетых людей. Цветовые эффекты прекрасно написанного зимнего рассвета в контрасте с ночными тенями ещё более усиливают гнетущее впечатление. В картине звучит главная тема художника – печальная судьба городского люда. Чтобы усилить трагедию каждого человека, Соломаткин использует гротеск в изображении своих героев: жалкие дрожащие фигурки маленьких людей ещё более усиливают выразительность полотна. Здесь как раз изображена сцена, когда городская беднота собралась на рассвете у трактира, чтобы набрать горячей воды. Они все с котелками, самые нетерпеливые стучат в дверь, чтобы по-быстрее открыли, потому что замёрзли, чтобы хотя бы погреться кипятком. Может быть повезёт и будут остатки пищи вчерашней. Это остро социальные проблемы того дня, выраженные в работах художников. Картина поступила в 1920г. с коллекцией основателя Владимира Сукачёва.
В жанре К.А. Трутовского «Помещики — политики» переданы события, происходившие в канун реформы 1861 года. Главным становится сатирический показ сильных мира сего. Картину отличает обличительный, социально — критический характер. Здесь сатирическое немного направление, где помещики — политики спорят об отмене крепостного права. Картина написана 1864 году. Реформа идёт полным ходом, а до них похоже новость только что дошла. Такая немного обличительная направленность живописи в то время.
Влияние тематической картины сказалась на таких, казалось, незыблемых жанрах, как исторический и батальный. В произведении «Князь М.П.Репнин на пиру у Ивана Грозного» — историческая картина Константина Егоровича Маковского, созданная в 1860-е годы, главным является не сюжет, повествующий о борьбе Ивана Грозного с боярами, а достоверное изображение быта XVI века. Возможно, Константин Маковский задумал большую композицию на тему из русской истории, но по неизвестным причинам не написал её. Остался этот выразительный эскиз. Художник со всеми реалистическими подробностями воссоздал быт и нравы времён Ивана Грозного. Героем художник сделал не царя, а князя Михаила Петровича Репнина, чей род происходил от святого Михаила, князя Черниговского. Сюжет картины: боярин Михаил Петрович Репнин получил приглашение от Грозного на маскарад в январе 1564 года. Пир пришёлся сдержанному и набожному Репнину не по душе: он стал уговаривать царя прекратить бесчинство, а в ответ на попытку Ивана Васильевича надеть на него маску сорвал и растоптал её (именно этот момент запечатлён на картине Маковского). Бывший воевода Грозного сообщает, что Репнин за отказ плясать в маске вместе со скоморохами на царском пиру был убит во время всенощного бдения в церкви близ самого алтаря.
Академическая живопись сохраняется. В середине XIX века в русском обществе растёт интерес к отечественной истории, который захватывает и Петербургскую академию художеств. В 1861 году программой для выпускников стала тема из истории XV века – периода борьбы за Московский престол. Её исполняли пять лучших студентов, среди которых Николай Дмитриев-Оренбургский – ученик знаменитого профессора Фёдора Бруни. Здесь проявляется интерес собственного народа в период раздробленности. В картине Н. Дмитриев-Оренбургский «Ссора на свадьбе Василия Темного» художник нам собственно передаёт то, что в результате этой делёжки власти и междоусобных разборок между высшими сословиями, как раз в период раздробленности на Руси, страдал-то обычный народ. Порядка не было для людей. Началось это всё при Василии III, когда были упразднены все княжеские роды, был признан только один царь, все остальные его подчинённые, вне зависимости от родства. К тому времени было уже много таких княжеских родов, каждый из которых претендовал на власть. Изображены все родственники, по сути князья, которые делят власть.
Полное название программы и самой картины звучит так: «На свадьбе великого князя Василия Васильевича Темного великая княгиня-мать Софья Витовтовна отнимает у князя Василия Косого пояс с драгоценными каменьями, принадлежавший некогда Дмитрию Донскому, которым Юрьевичи завладели неправильно». … Действие происходит в 1433 году. На свадьбе внука Дмитрия Донского его несдержанная мать своей выходкой испортила хрупкий мир между родственниками. Вся композиция наполнена движением, смятением. Только главная героиня торжествует мнимую победу. Поступила картина в музей в 1936 году от иркутянки Кауэр.
Возвращаемся к критическому реализму, который у нас опять же выражен не только в живописи, но и в декоративно-прикладном искусстве. В зале представлена мелкая пластика Гарднеровского фарфорового завода. Это первое частное фарфоровое предприятие в России, основанное в селе Вербилки под Москвой, английским купцом Ф.Гарднером (ныне Государственный Дмитровский завод). В 1928 году из собрания Русакова из Верхоленска поступил фарфор завода Гарднера, положивший начало формированию очень интересной музейной коллекции русской фарфоровой пластики малых форм. Поначалу мастера подражали западным образцам, но к середине XIX века в мелкой пластике появилось стремление затронуть актуальные проблемы современности. Опять же это влияние, которое проникает во все виды искусства и литературу. Это эпоха Гоголя, Салтыкова-Щедрина, это искусство демократического направления, обращенное к народу, к жизни его и его проблемам.
Малая пластика завода Гарднера выполнялась из бисквита (не покрытая глазурью фарфоровая масса). «Куклы» раскрашивались матовыми красками, иногда с добавлением блестящих, которые оживляли однородную массу бисквита. Фигурки выпускались сериями: «Народы мира», «Детские сюжеты», «Картинки народной жизни», «Литературные персонажи» и т.д. Основой для создания, как правило, служила графика — журнальная гравюра и отдельные печатные листы. Здесь серия «Народы России»,
серия «Городские ремесла».
Покупались такие фигуры для украшения интерьера. Серия с детскими скульптурками часто пользовалась большой популярностью.
Изготавливались и настенные украшения — пано «Лето» и «Зима».
В 1846 году вышла книга «Сто рисунков из сочинения Н. В. Гоголя «Мертвые души» с рисунками А. А. Агина, гравированными Е. Е. Бернадским». По этим гравюрам мастера завода Гарднера создавали фарфоровые персонажи поэмы. Собакевич, Плюшкин и Чичиков — персонажи поэмы — сразу узнаваемы. Точно схвачены и характеры, и внешность.
Это вот демократическое направление получает своё развитие в полной мере, хотя существует и портреты, в основном правителей. В портретах этого времени, даже в парадных, нарастает реалистическая трактовка образов. В большом «Портрете графа Н.Н.Муравьёва-Амурского» — генерал-губернатора Восточной Сибири, написанным Маковским по заказу иркутян, правдиво показан выразительный образ выдающегося государственного деятеля, трудами и заботами которого успешно развивалась Сибирь. Портрет отличается смелостью исполнения, эффектной позой и удачной композицией.
Автор этого блестящего портрета Константин Егорович Маковский родился в Москве в семье известного культурного деятеля Егора Маковского. Его первый наставник в живописи – друг семьи, известный московский портретист Василий Тропинин. Будущий знаменитый мастер окончил Московское училище и Петербургскую академию художеств. Его первая крупная работа – вот этот заказной портрет графа Николая Николаевича Муравьева-Амурского – имела шумный успех на выставке в Санкт-Петербурге. Мнение было единодушным: в России родился ещё один великий портретист. После выставки портрет был отправлен заказчикам в Иркутск.
Муравьёв-Амурский – известный государственный деятель, генерал-губернатор Восточной Сибири (1847-1861), простиравшейся тогда до берегов Тихого океана со столицей в Иркутске. Служба в Восточной Сибири – самая яркая страница его биографии. В 1858 году Муравьёв заключил бескровный Айгунский договор с Китаем, вернув российские земли по Амуру, за что получил от Александра II титул «графа Амурского». Граф изображён на палубе корабля, плывущего по Амуру, правой рукой облокотившимся на «Карту Амурской страны, присоединенной к России». В официальном портрете Маковский создаёт глубоко реалистический образ крупного деятеля и обременённого годами человека. В 1864 году, когда портрет был уже в Иркутске, известный столичный критик Варнек написал: «Портрет графа Муравьева-Амурского с его ловкой, так сказать, устойчивой позой, так хорошо выражающей деятельность графа, в то же время и целая картина».
Творчество многих талантливых художников 50-70 годов несло подлинно новаторские черты. Оно явилось отправным пунктом для возникновения нового мощного объединения — Товарищества передвижных художественных выставок (1870 год), сыгравшего решающую роль в отечественном искусстве второй половины XIX века.
Переходим в следующий зал русского искусства второй половины XIX века. Это период яркого расцвета демократической культуры, что было вызвано новым подъёмом освободительного движения. Возникшее Товарищество передвижных выставок — самая мощная художественная организация в дореволюционной России. Его основателями стали Перов, Мясоедов, Ге, Крамской, Саврасов, Шишкин, Клодт и др. Почему называют их «передвижники»? Все они обучались в Академии и в конце своего обучения, получив своё конкурсное, финальное задание на большую золотую медаль академии, они отказались его выполнять, потому что тема звучала как «Пир Одина в Вальхалле» — сцену из скандинавской мифологии, они на эту тему должны были написать какую-то работу. Они отказались потому, что хотели писать на тему русской истории, на тему народной жизни и потребовали заменить им тему. Им было отказано, они недоучившись, в составе 14 человек, покинули Академию, не выполняя задание. Они организовали своё товарищество передвижных выставок. В 1871 году прошла первая передвижная выставка, в которой они показали свои работы, перевозили их по городам. Цель объединения — организация во всех городах империи передвижных художественных выставок для доставления жителям провинций возможности знакомства с русским искусством, развития любви к искусству в обществе, облегчения для художников сбыта их произведений. Поскольку большинство людей в то время были неграмотные, то легче всего доносить свои мысли через искусство таким вот образом. Опять же они творили на темы народной жизни, на тему проблем, которые были близки именно народу. Здесь же можно видеть что собирал в свою коллекцию Сукачёв, поскольку он тоже был современником передвижников и многие из этих работ он покупал непосредственно на их выставках. С Третьяковым, который в тоже самое время организовывал свою галерею, было негласное соревнование, кто быстрее приобретёт понравившиеся картины. Поскольку сам Сукачёв в своей жизни воспитывался в Иркутске, среди польских повстанцев, среди декабристов, он впитал конечно же эти идеи, присущие всем этим людям, ему тоже близка была эта тема народа, тяжёлой жизни народа. Художники многие сами познали тяжесть труда, крестьянскую нищету. Искусство передвижников явилось новой ступенью в развитии всех жанров: портретного, пейзажного, исторического. Важнейшей продолжает оставаться бытовая живопись. Основной становится крестьянская тема.
В.М. Максимов «Бедный ужин» в крестьянской семье. Ему самому, живущему в крестьянской семье, была знакома вся тяжесть крестьянского труда, познавшему самому тяжелый труд в детстве. Перед нами летопись жизни пореформенной русской деревни, рассказанная с предельной достоверностью, с глубокими раздумьями о крестьянской России. «Задушевно и трогательно передано здесь, как бедная крестьянская семья, после трудового дня, собралась за столом, но есть нечего. Отец сидит в раздумье, мать хлопочет около печки, а дети от долгого ожидания задремали».
«Кто сытый ест обед,
Не купит, знаю, «Бедный ужин»,
А автору мужицких бед
Богатый покупатель нужен», − писал автор. Картину купил Владимир Платонович Сукачёв.
Коллекция русской скульптуры в музее невелика, но в ней собраны настоящие шедевры. К ним относится скульптура выдающегося мастера XIX века Марка Антокольского «Портрет царя Ивана IV (Грозного)». Влияние передвижников испытали многие художники этого времени. Близок к передвижникам и ведущий скульптор этого времени Марк Матвеевич Антокольский. Первые уроки будущий скульптор получил у своих земляков виленских резчиков по дереву. Потом была Петербургская академия и талантливый педагог Николай Пименов. За «Портрет Ивана Грозного» выпускник Антокольский был сразу удостоен звания академика и права совершенствоваться в Италии. Начинающий мастер писал: «Скульптура достигла высокой техники, но ею любовались, она ласкала глаз, но не трогала чувства. Мне хотелось, чтобы мрамор вновь заговорил сжатым, лаконичным языком».
Таков портрет Ивана Грозного – великого князя московского с 1533г., первого русского царя с 1547г. Грозный изображен сидящим на троне в монашеском одеянии. Его худая, сгорбленная фигура пронизана нервным напряжением. Иван Грозный изображён на склоне лет, под конец своей власти, своего правления. Первоначально критиками он был воспринят негативно. Антокольский очень долго добивался мастерской, чтобы делать свою работу, поскольку для изготовления скульпторы нужна совершенно другая мастерская нежели художнику. Работу скульптора преподаватели академии, мягко говоря, не одобрили. Известным он стал только тогда, когда император, восхитившись его работой, купил его в свою коллекцию. После этого уже стали поступать заказы на копии, на повторы этой работы. Если обойти эту фигуру вокруг, то увидите старика, уставшего от времени и власти мужчину. Художник передаёт динамику движения в статичном произведении — скульптуре, у него с колен падает книга и жест руки, который вцепился в подлокотник нам говорит о том, что сейчас он встанет. Своё звание «Грозный» он всё таки будет оправдывать. Вот эти два состояния, которые художник попытался выразить в одной скульптуре, императору и понравились. Хотя именно изображение старика в грозном царе и не понравились академикам. Поэтому академики негативно оценили работу. Антокольский жил и творил в эпоху художников, которые были в предыдущем зале, из поколения тех, кто были художники — передвижники, художники демократического направления. Отказавшись от ложной героики и пафоса парадного царского портрета, Антокольский создал противоречивый, психологически насыщенный образ «великого мучителя и великого мученика». «Это была первая оригинальная русская статуя», – отмечал его талантливый ученик Илья Гинзбург, выполнявший рельефы для трона. Антокольский несколько раз возвращался к портрету. В Иркутске хранится третий уменьшенный мраморный вариант, исполненный в Риме и купленный золотопромышленником Александром Сибиряковым для Иркутской мужской классической гимназии. Поступил в 1920 году из гимназии.
Передвижники создали принципиально новый пейзаж. Основным в нём становится утверждение красоты и ценности русской природы, которая долго недооценивалась официальным искусством. Выражалось это в отношении народа к родной природе, любовью к Родине. Здесь мы видим, что и пейзаж уже меняется. Русский пейзаж написан непосредственно на натуре, один из отличительных признаков. Художник пишет свои работы не просто в мастерской по памяти, художники выезжают на натуру, пишут реальные места, которые им понравились. Шишкин отличается манерой письма, но всё равно здесь русский пейзаж из реальной жизни.
Иван Иванович Шишкин (1832 – 1898г.) родился в семье небогатого купца − любителя старины. Воспитанник К. Рабуса в Московском училище и С. Воробьёва в Академии художеств. Член-учредитель Товарищества передвижников (1870). Шишкин − представитель национальной московской школы, признанный мастер эпического пейзажа в живописи и графике. Шишкин часто подбирал сам к своим работам рамы, или говорил, какие должны быть рамы. По размерам картина «Перелесок. Полдень» – одно из самых крупных его полотен, лучшее раннее произведение художника. Краска лежит на полотне густым и сочным тестом, которое послушно организуется в моховые кочки, в солнечные светящиеся облака, в тончайшие орнаменты ветвей. Эпическому размаху природы не мешает простая сценка из крестьянской жизни. Поражают даль и широта картины «Перелесок», подкупающие до боли знакомым мотивом. Здесь изображена окруженная рощей поляна, на которой пасется стадо. Фигурки крестьян и пасущиеся на лугу коровы не занимают главного места, но они делают пейзаж более жизненным и достоверным. Взгляд зрителя легко скользит по мокрому лугу с болотными кочками, по гладкой поверхности озера и уходит далеко в глубь картины. Весь пейзаж насыщен светом и воздухом. Поступление из Государственной Третьяковской галереи в 1928 году.
Московский художник А.К. Саврасов — основоположник лирического пейзажа. Главное в его произведениях — богатство настроения, которое отныне становится отличительной чертой русской школы. В «Сокольниках» нашла отражение одна из любимых саврасовских тем — природа Подмосковья -«Москва Сокольники».
Алексей Кондратьевич Саврасов (1830 – 1897) родился в семье небогатого торговца. Воспитанник художника-романтика К. Рабуса в Московском училище, которого сменяет на посту руководителя пейзажного класса. Член-учредитель Товарищества передвижников (1870). Выдающийся пейзажист. «С Саврасова появилась лирика в живописи пейзажа», — писал его ученик И. Левитан. Сокольники — один из поэтичных уголков Подмосковья, где Саврасов получал творческий заряд от духовного общения с природой. Пейзаж, который находится в коллекции музея, относится к позднему времени, когда в картинах Саврасова звучат элегические ноты. Используя замкнутую композицию, где пространство развивается вглубь, художник достигает особой проникновенности. Рассеянное освещение, легкая дымка стирают контуры деревьев, придавая особую эмоциональность пейзажу. Поступление — из Комитета по делам искусств при Совете министров РСФСР в 1948 году.
Период расцвета в творчестве передвижников начинается с Репина. Ещё в 1874 году он создаёт свой маленький шедевр — портрет-этюд «Нищая», признанный в настоящее время лучшей ранней работой художника. Этюд поражает чисто репинским сочетанием эскизной лёгкости и завершённости, яркостью характеристики, бескомпромиссностью реалистического видения мира.
Илья Ефимович Репин (1844 – 1930) родился в семье русского военного поселенца. Первоначальные навыки получил в иконописных артелях. В Петербурге его наставником стал И. Крамской, а в Академии художеств — П. Басин. С 1878 − член Товарищества передвижников. Его имя приходит первым на ум среди всех русских художников. Маленький шедевр написан молодым Репиным во Франции в небольшом городке Вель, но нищие они везде одинаковые. Им эта работа была написана с натуры. По его воспоминаниям, по его письмам, он увидел во Франции эту нищую девочку, которую захотелось ему написать. Среди этого поля русского поля, здесь все признаки реализма можно наблюдать. Красное, обожжённое лицо девочки, выцветшие брови её, загорелые руки, именно по той куртке, которую она носит не снимает видимо с рождения, поскольку она ей уже малая и практически рассыпается на ней. Изображён по сути 5-летний ребёнок, который тяжёлым трудом уже с детства вынужден зарабатывать.
Великий русский художник Илья Репин вошёл в историю искусства прежде всего как выдающийся портретист, создавший целую галерею портретов своих современников. А всё начиналось вот с этого маленького шедевра «Нищая». Это односеансный натурный этюд, в котором нет ничего привнесённого извне, и поэтому девочка воспринимается, как живая.
«Взлохмаченные белокурые волосы, лицо с ещё не потемневшим розовым загаром, грустное, сосредоточенное выражение глаз, худенькая детская шея, загрубелые детские ручки. Всё нарисовано безукоризненно, выписано тонко. Пейзаж сильно обобщён, почти не привлекает нашего внимания. Но девочка словно живёт в атмосфере летнего светлого дня…». Здесь впервые соединились все грани его таланта и мастерства: влюблённость в живую человеческую плоть, умение проникнуть во внутренний мир героя, мастерство рисовальщика и живописца. Эта «жемчужина» иркутского собрания была приобретена Владимиром Сукачёвым в мастерской у художника в 1880-е годы.
По сравнению с теми картинами что мы видели, внимание хотелось бы обратить на салонную живопись. Художник Ю.Ю. Клевер — это та самая салонная живопись, по сравнению с остальными картинами, она писалась тиражами для продажи. Он был очень популярен. Сюжет был часто одинаков — пейзажи, писался в изменённом виде в приятном цветовом решении, за что был часто подвергаем постоянной критике современниками, поскольку они его обсуждали за то, что он рисует только на продажу, хотя сами художники тоже рисовали для продажи, поскольку художник не может по другому жить, но тем не менее не все писали лес, закаты, которые более приятны в интерьере.
Юлий Клевер – яркий представитель позднего романтизма в русском пейзаже конца XIX века. Он родился в Дерпте (Тарту) в семье магистра химии. Юность художника прошла в старинном эстонском городе, живописно расположенном на холмах. Здесь и формировался будущий романтик. В Петербургской Академии Клевер проучился всего два года: занятия наводили на него скуку. Несмотря на это, к нему рано пришла слава, началась головокружительная карьера. Применяемые им необыкновенные световые и цветовые эффекты очень понравились публике, так как предлагали своё, не похожее на других мастеров, видение пейзажа.
В иркутской картине «Зимний закат в еловом лесу» завораживают и приковывают внимание контрасты ближнего и дальнего планов, эффекты красочных сочетаний, узловатые стволы старых елей, вздымающихся в небо, подтаявший снежный покров и атмосфера таинственности и тишины. У состоятельных людей считалось дурным тоном не иметь Клевера. Ведь в своё время он был сильнейшим соперником Шишкина. Но их неизменно объединяло одно: ведущей темой в творчестве того и другого мастера всегда оставалась родная природа. Картина поступила в 1920 году из собрания генерала Алексея Ермолаевича Эверта – командующего войсками Иркутского военного округа.
Продолжаем движение в следующий зал второй половины XIX века. Продолжение следует…
