Переходим в другой, начатый в предыдущей статье, зал второй половины XIX века, здесь мы видим прочно вошедший в работу художников реализм, т.е. художники выезжали на натуру для того, чтобы писать свои работы, чтобы передать наиболее достоверно изображение местности. В скульптуре появляется возможность тиражировать работы, поскольку они делались по готовым шаблонам, несколько отливов. Составлялась сборная скульптура, отливалась каждая фигура отдельно, так называемая кабинетная скульптура, для украшения кабинета, составлялась впоследствии уже композиция и можно было изготовить несколько таких скульптур.
Скульптор Владимир Беклемишев – представитель позднего академизма с его тяготением к «возвышенному и прекрасному». Он родился в Екатеринославской губернии в семье художника-декоратора. Начинал учёбу в Харьковской рисовальной школе, а позднее закончил Петербургскую Императорскую академию художеств. Профессор. Удостоен золотой медали на Всемирной выставке в Париже. Одна из самых популярных его работ – скульптура «Как хороши, как свежи были розы». Беклемишев изображает задумчивую молодую женщину, «склонившую голову к плечу». Она сидит на скамье где-то в глубине сада. В правой руке, лежащей на коленях, покоится роза. В 1884 году отыскалось имя автора этой строки – поэта Ивана Мятлева. Так начинается его элегия «Розы», написанная в 1834 году. Беклемишев много раз повторял скульптуру в мраморе и бронзе. Иркутская работа исполнена в необычном материале – разновидности алебастра: художник, скорее всего, экспериментировал, стараясь выявить возможности нового материала. Приобретена в Иркутске в 1928 году.
Конец XIX века, уже достаточно развито прикладное русское декоративное искусство. Коллекция русского декоративно-прикладного искусства Иркутского художественного музея разнообразна по материалам (стекло, серебро, фарфор). Наряду с утилитарными, повседневными вещами встречаются и уникальные изделия, есть предметы декоративного и архитектурного убранства. В 1928 году многочисленные изделия художественного стекла, фарфора и серебра передал музею Ленинградский Государственный музейный фонд. Одним из таких, переданных музею экспонатов, стали «Предметы из банкетного сервиза». Петербург, 1841. Императорский Стеклянный завод (1777–1917).
Изделия Императорского Стеклянного завода занимали ведущее место в русском стеклоделии, «настоящим фаворитом» которого в ХIХ веке становится гранёный хрусталь. Техника гранения хрусталя в виде драгоценных камней (отсюда и русское название «алмазная грань») была освоена в Англии в 1780-х гг. Было найдено множество рисунков алмазной грани, выявлявшей блеск и сияние хрусталя. На заводе в течение всего ХIХ века создавались банкетные сервизы, декорированные подобным образом, в качестве приданого для членов царской семьи. Украшались они монограммами, написанными на золотой фольге на фоне горностаевой мантии, заключенными между стеклянными стенками сосуда. В собрании три предмета из подобного сервиза, выполненного в 1841 году для бракосочетания великого князя Александра Николаевича (в будущем императора Александр II).
В середине ХIХ века Императорский фарфоровый завод начал производство больших декоративных ваз для императорских резиденций. В Александровскую и Николаевскую (1825–1855 ) эпохи были изготовлены сервизы почти для всех резиденций Петербурга. Они отличались различными стилевыми направлениями. В числе других заявило о себе «русское» направление. По проектам ученого-археолога, знатока русских древностей Ф.Солнцева на заводе был сделан сервиз для Большого Кремлевского дворца в Москве и сервиз Великого князя Константина Николаевича, второго сына императора Николая I.
Николаевский фарфор отличался виртуозной живописью. На вазах воспроизводились полотна старых мастеров — Леонардо да Винчи, Рафаэля, Тициана, Корреджо, Мурильо и др., в основном из коллекции Эрмитажа. Копии поражали точностью и тонкостью пунктирных линий. Гамма цветов, чистота и блеск красок в полной мере были адекватны оригиналу. Развитие получили также портретная, иконная и миниатюрная живопись на вазах и пластах. Первенство завода в живописи по фарфору было подтверждено получением дипломов на всемирных выставках в Лондоне, Париже и Вене. В 1844 году, к столетнему юбилею Императорского фарфорового завода, здесь основали музей, пополненный вещами из кладовых Зимнего дворца (решение изготавливать вещи в двух экземплярах — один для двора, другой — для музея, было принято лишь при императоре Александре III).
К концу ХIХ века, начала ХХ века начинают влиять на живопись западные тенденции. Видим не просто детальную прорисовку на картинах, а появляются уже грубые маски. Особое внимание было обращено на этюд В. И. Сурикова к картине «Переход Суворова через Альпы»
(1899, Государственный Русский Музей), на котором изображён один из «суворовских солдат», стремительно скользящих в снежно-ледяную бездну. Интерес был вызван тем, что живописный этюд, называемый сегодня «Солдат с ружьём, закрывший лицо рукой» (1898), вот уже 75 лет украшает один из залов Иркутского областного художественного музея. Приобретён он был директором ИОХМ А. Д. Фатьяновым у дочери художника Ольги Васильевны Суриковой-Кончаловской. Произведение было приобретено у потомков живописца, семьи Кончаловских, в 1949 году.
Василий Иванович Суриков (1848 – 1916). Предки Сурикова – казаки, пришедшие с Ермаком в Сибирь. Первый его учитель в Красноярске – выпускник Академии Н. Гребнев. Суриков систематически ездил на родину в поисках натуры для своих картин. Выдающийся мастер эпических полотен на сюжеты из отечественной истории в самые драматические и героические её моменты. Картина «Переход Суворова через Альпы» воспевает подвиг русской армии в 1799 году. Её созданию предшествовали швейцарские этюды, среди которых особенно удался «испугавшийся солдат»: уже в нём определился характер героя. По сочности живописи, мастерству в передаче снега и горного воздуха этюд превосходит законченное полотно.
Описание картины: — сидящий на снегу солдат со слегка отодвинутой в сторону левой ногой, держащий ружьё со штыком в правой руке, крепко прижимая его к груди, прикрывающий левой рукой нижнюю часть лица. На голове солдата — треуголка. Одет он поверх формы в плащ-палатку. На законченном же полотне В. И. Суриков изображает «испугавшегося солдата», полностью закрывшего лицо плащом, оставив лишь узкую полоску напряжённого лба с глубокими складками. Художник, тонко прочувствовав психологическое состояние испугавшегося человека, не желавшего смотреть смерти в лицо, отобразил жест именно этого мгновения. Мы видим, как тщательно подыскивал художник лицо, позу, жест, одежду не только для центральных образов своих полотен, но и для всех наполняющих их фигур, какой напряжённый и поистине гигантский труд предшествовал созданию каждого исторического полотна Сурикова». Он выезжает в Альпы, чтобы на натуре написать то место, где произошел этот переход, работал над костюмом историческим. Здесь видно довольно крупные, размашистые, грубые мазки.
Для сравнения, работа Б.П. Виллевальде «Переправа через Березену. Бегство французов из России в 1812 году», выполнено в старой технике, где всё тщательно прорисовано, прописано, книжное, сказочное изображение. Исторический сюжет — бегство французов выполнен в юмористической, сатирической форме. Зимой бежали французы и одевали на себя всё, что попалось под руки, даже женское. Как раз этот момент он и изобразил на своей картине.
Богдан Виллевальде – мастер новой батально-жанровой живописи, изображающей не саму битву, а события вокруг неё. Он прожил долгую и счастливую жизнь. Родился в Павловске в семье иностранца из Баварии. Учился у «великого» Карла Брюллова в Императорской академии художеств. Позднее 46 лет преподавал в ней. Писал картины преимущественно по заказу императорского двора. Картина «Близ Березины» (авторское название), или «Бегство французов из России в 1812 году», посвящена последнему разгромному сражению Отечественной войны. Здесь изображено трагическое положение уже отступающей армии. Страх, ужас обуяли французов. После реки Березина император Франции бросил армию и бежал в Париж.
На выставке в Петербурге в 1892 году публика, стоя перед этой картиной, единодушно отмечала, что художник – увлекательный рассказчик, умеющий видеть юмор даже в самых драматических сценах. Вот офицер прощается со смертельно раненным конём. Рядом – группа несчастных всадников, вызывающих невольную усмешку своими костюмами – «разворовали театральную костюмерную в Москве». Не исключено, что среди первых зрителей на выставке был и Владимир Сукачёв, купивший эту картину для своей галереи в Иркутске.
Начинают появляется некоторые творческие объединения художников. Основными ведущими становятся «Союз русских художников» и противовес ему «Мир искусства». Объединения появляются в то время, когда и мир меняется, перед революцией это очень чётко прослеживалось. Появляются западно-европейские тенденции. Союз русских художников представлен в следующем зале.
Здесь влияние импрессионизма очень ощутимо. Пастозная техника живописи — это техника работы плотными, непросвечивающими (кроющими) слоями, мазками краски, иногда создающими рельефность. На картинах, написанных такой техникой, видны большие мазки, по которым можно проследить где художник начинал кистью вести и где заканчивается штрих. Для живописи в пастозной технике чаще всего используется мастихин (напоминает маленький шпатель) и большая плоская кисть. Реже используются другие подручные средства, такие как деревянные палочки, куски плотного картона.
Союз русских художников объединял московских художников — передвижников, первая выставка прошла в 1903 году. В основном туда входили художники пейзажисты. Главными темами в их творчестве были: русские города и деревни, русская природа. Они много путешествовали по русским городам, искали там отдушину среди нарастающих проблем. Художники продолжали традиции русской пейзажной живописи XIX века. В их работах можно отметить интерес к национальной культуре, быту. Они писали с натуры. Живопись стала более свободной, яркой, насыщенной и фактурной. Многие были подвержены влиянию импрессионистов. Своей главной целью Союз русских художников считал содействие «распространению произведений русского искусства» и «обеспечение членам Союза сбыта их художественных произведений». В период 1904–1922 годов Союзом русских художников проведено 16 выставок, имевших небывалый успех у зрителей, ценителей искусства и коллекционеров. В 1923 году, 13 мая, в Москве открылась «Весенняя выставка» Союза русских художников, которая стала последней в истории объединения.
«Мир искусства» — творческое объединение художников, существовавшее с конца 1890-х годов до 1924 года. В 1904 году движение перестало существовать как отдельный художественный коллектив. Большинство его участников вошло в Союз русских художников. Но «Мир искусства» возродился шесть лет спустя. После революции 1917 года многие мирискусcники эмигрировали, а через 10 лет общество полностью прекратило своё существование. Последняя выставка «Мира искусства» проходила в Париже в 1927 году.
Эти объединения существовали недолго, особенно после революции. Появляются новые течения, по степени влияния западной живописи — «Кубизм». Это авангардийское направление в изобразительном искусстве, зародившееся в начале XX века. Основным представителем был Пабло Пикассо. Основная цель кубизма — разрушение привычного реалистичного изображения объектов и их анализ через простые геометрические формы. Художники стремились представить объекты с нескольких точек зрения одновременно, создавая многогранный визуальный опыт. В живописи основной чертой кубизма является декомпозиция объектов на геометрические формы, такие как кубы, призмы и конусы, а затем их абстрактное пересложение. Этот метод создаёт ощущение одновременного представления объекта с нескольких точек зрения.
Кубизм представлен в музее картиной Д.Д. Бурлюк «Портрет моего дяди». Бурлюк стал родоначальником стиля футуризма, он был еще и прекрасным администратором, он ездил по городам с лекциями. Этот портрет своего дяди он писал в каждом городе. Это техника коллажа. Он использовал не только краски, пастель, но и обои, газеты. Была у дяди когда то борода, утрачена, к сожалению. В экстравагантном, на первый взгляд абсурдном, «Портрете моего дяди» с присущей ему энергией, художник пытается решить проблему движения предмета в пространстве.
Бурлюк прошел долгий путь в искусстве, от увлечения импрессионизмом, кубизмом, футуризмом, до неопримитивизма. Его считают «отцом русского футуризма», хотя в своих произведениях художник, скорее, популяризатор новых путей в искусстве. Он считал, что «…изображение реального, художественно не деформированного и не трансформированного не может быть предметом живописи».
Для 20-30 г очень характерно в искусстве веяние своего времени. Государство, вновь образовавшееся, ещё не установилось в своих каких-то целях и задачах. На международных аренах была одна цель — преподнести новое государство, как передовое, идущее в ногу с западом, поэтому часто на парижских выставках работы художников занимали призовые места, завоевывая авторитет нового государства (кубисты, авангардисты). В 30 годы все это пресекается с образованием «Союза советских художников» и возникновением стиля советского соцреализма, который направлен на то, чтобы прославлять, поддерживать, воспитывать в гражданине идеологию нового государства. Конечно, для людей, которые строили государство в то время, это был труд, в который вкладывали свой оптимизм. Труд изображён как праздник. Подсчет трудодней, весёлые прекрасные лица идеологических девушек, в красных платках. Народ пришедший к власти, надеялся и видел своё будущее именно таким, каким оно изображено — солнечным и прекрасным, потому что всё только что начиналось. Именно своими руками они были готовы построить его таким для себя.
Но начиналась вторая мировая война, великая отечественная и многие художники уходят на фронт. Жизнь кардинально меняется. Многие художники становятся непосредственными участниками военных событий. Константин Федорович Юон – известный живописец, график, мастер театрально-декорационного искусства, архитектор, народный художник СССР, действительный член Академии художеств, лауреат Государственной премии. Во все периоды своей художественной деятельности с увлечением писал скромную и прекрасную среднерусскую природу и величайшие памятники древнерусской архитектуры. На протяжении всей войны 1941-1945 годов Юон оставался в Москве. В холодной, нетопленой мастерской он продолжал работать. Это было суровое, тяжёлое время. Картина «Утро Москвы 1942 года» повествует о днях, когда разбитые фашистские войска ещё представляли угрозу столице.
Толчком к созданию картины послужило непосредственное впечатление. Как-то морозным декабрьским утром, проходя через Москворецкий мост, художник был захвачен удивительной красотой кремлёвских построек, озаренных лучами восходящего солнца. Между тем, по мосту провозили аэростаты воздушных заграждений, навстречу им двигались отряды вооруженных бойцов, и, пробираясь по заснеженным улицам, спешили на фабрики рабочие. Это сочетание делового ритма военной Москвы с величественной красотой Московского Кремля в лучах солнца, поразило художника. Юон бросился в мастерскую, чтобы запечатлеть всё на полотне. Так возникла идея создания картины, над которой он работал всю зиму. Во всём облике картины – непоколебимая вера художника в будущую скорую победу. «Утро Москвы» как будто мы видим из окна верхнего этажа здания. Поступила картина в 1948 году из Комитета по делам искусств при Совете министров СССР.
Одно из знаковых произведений на тему Великой Отечественной войны, хранящихся в собрании музея, — эпическое полотно Павла Соколова-Скаля «Освобождение Калуги», написанное в 1946 году. Главная улица города разрушена, в стенах величественных зданий зияют дыры от попавших в них орудий. Ещё идёт кровопролитный бой, но силы уже распределены и победа Советской Армии неизбежна. Воины-освободители окрашены в светлые тона, рядом с полными мужества образами, фашистские захватчики кажутся ещё более слабыми и жалкими. «Освобождение Калуги» — полотно, основанное на реальных событиях. Фронтовой художник Соколов-Скаля 2 января 1942 года оказался на улицах Калуги, где только что отгремели ожесточённые бои. Раскинувшаяся перед ним панорама хранила свидетельства трагических событий — тела погибших солдат, искорёженное железо машин, разрушенные исторические здания. Художник в своём фронтовом блокноте создал ряд набросков с натуры, а сразу после окончания войны начал работу над крупномасштабным полотном.
Тему войны завершает Декоративная композиция «Победа» 1985 г. «Победа» — произведение декоративно-прикладного искусства, созданное на сорокалетний юбилей Победы. Его автор — Борис Тимофеевич Бычков, один из лучших в России мастеров художественной обработки стекла, заслуженный художник РСФСР, педагог, член-корреспондент Академии художеств РФ, народный художник РСФСР. Его работы находятся во многих российских музеях, в общественных учреждениях Иркутска и частных собраниях. Умение художника выразить цветом и обобщённой линией силуэта эмоциональную наполненность произведения — вот то, что отличает настоящего художника высокого уровня, такого как Борис Бычков. Эту особенность можно явственно увидеть, почувствовать в объёмно-пространственной композиции «Победа», созданной к юбилею великого праздника на Тулунском стекольном заводе.
«Победа» представляет собой составное, сделанное из бесцветного хрусталя основание с секретом и установленную на нём многочастную композицию из ребристых брусков цветного хрусталя, скрепленных металлическими лентами. Хрустальная «Победа» вызывает у зрителей много ассоциаций. Кто-то видит в ней образ летящей Ники — греческой богини Победы, гордо раскинувшей орлиные крылья. Для кого-то это стилизованный орган, торжественные аккорды которого усиливают грандиозность и величественность момента. Для кого-то — горящее пламя, полыхающее множеством оттенков: от жёлтых и красно-буро-оранжевых до медных и ржаво-коричневых. Победа ковалась в огне. Она добыта кровью и потом советских солдат, чьи лица открываются при фронтальном взгляде на композицию. Они сделаны алым нацветом по хрустальному бесцветному основанию. Цвет профилей военных и их расположение символичны и не требуют объяснений. Художник умело использовал пластические и декоративные свойства материала, возможности цветовой палитры стекла. Образный ряд «Победы» широк, и тем самым она выходит за рамки композиции, предназначенной лишь для украшения и декорирования интерьера. Талантливый художник, всю жизнь постигавший секреты древнего искусства стеклоделия, сумел воплотить в этом произведении и философские раздумья на тему Победы, и свою мощную фантазию. Скульптура — Богиня Ника, с распростертыми крыльями, Богиня Победы. На фоне видны бойцы красной Армии и надпись Победы. Стоит сказать, что создание декоративной композиции из стекла такого масштаба — работа очень трудоёмкая, требующая не только больших физических усилий, но и высокого профессионализма. Многообразие технических приёмов, использовавшихся при изготовлении этой композиции, характерно и в целом для творчества Бориса Бычкова.
После ВОВ возникает новый виток в живописи 60-70 г экспозиции, так называемый суровый стиль. Термином «суровый стиль» современники называли искусство СССР 1957–1962 годов. Произведения этого направления противостояли искусству соцреализма, которое приукрашивало действительность, демонстрировало всеобщий оптимизм и идеализировало эпоху коммунизма. Из-за этого соцреализм часто называли «стиль Сталин». Представители же «сурового стиля», напротив, в своем творчестве отражали настоящую жизнь рабочих и крестьян, их тяжёлые будни. Они воспевали героев труда, их энергию и силу воли. Живопись «сурового стиля» была достаточно мрачной: художники в основном использовали приглушенные цвета тёмной палитры. Лица горняков, нефтяников, шахтёров и представителей других опасных профессий на картинах всегда изображали бледными или пепельно-серыми, что олицетворяло их нелёгкую судьбу. Труд уже ни как праздник, а как подвиг. Победившая страна, которой нужно восстанавливать и налаживать производство — это был новый подвиг народа. Время строительства предприятий, индустриальная тема страны. Строительство гидроэлектростанций, трудовой подвиг. Там люди уже не такие весёлые, более суровые.
Перед нами полотно Аркадия Пластова – выдающегося художника XX века, чьё творчество глубоко связано с национальными корнями. Воспетая им деревня стала символом России, а его односельчане из деревни Прислониха – олицетворением лучших черт её народа. В одном из лучших своих произведений «Ужин трактористов», написанном в сталинскую эпоху, художник верен себе: его волнуют не сиюминутные события, а вечные ценности, связанные с миром русской деревни. Плотная густая живопись картины будто пропитана запахами весенней земли, прошлогодней травы. В крепких, не всегда привлекательных людях он воспевает красоту человека труда. Картина впервые экспонировалась на Всесоюзной выставке в 1952 году и сразу попала под удар критики. Автора обвинили в увлечении «живописностью», в «мелкотемье», «малой правде» в эпоху «богатырских дел», построения коммунизма. Поскольку центральные музеи отказались от неё, картина была передана Иркутску по заявке музея. Только с приходом Хрущёва судьба картины резко изменилась: в 1956 году её вызвали в Москву на выставку, посвящённую XX съезду партии, где она имела огромный успех, и включили в состав Международной выставки. Так картина получила мировое признание. В эти же годы началась борьба за неё между Иркутском и Москвой. Только в октябре 1961 года благодаря усилиям иркутской общественности полотно из Третьяковской галереи вернулось домой. В этом же году художник, по просьбе галереи, написал повторение картины. В 1966 году Аркадию Пластову была присуждена Ленинская премия за картины «Ужин трактористов» и «Девушка с велосипедом». Обе хранятся в Иркутском художественном музее.
В декоративно прикладном искусстве можно наблюдать как становятся доступны новые технологии, связанные с достижениями в промышленности. Видно, что на этих вазах, непосредственно краситель новый добавляется в стекло, не сверху покрывался, а добавлялся в виде различных оттенков. Достаточно классические линии и сюжеты женщин с кувшинами, в которых художница обращается к древнегреческой культуре, поскольку вдохновлялась она раскопками древнегреческого города Танаис у Днепра, где он был найден. Кувшин — стекло, окрашено как керамика, т.е. произведение как будто сделано из глины, это окраска стекла такая.
Екатерина Федоровна Белашова (Алексеева) (1906–1971) 1949 год. Народный художник СССР, член-корреспондент АХ СССР, лауреат Государственной премии СССР Е. Белашова — скульптор яркого оригинального дарования. Считая, что путь реалистического развития скульптуры связан с возрождением принципов классического ваяния, одной из первых она обратилась к традициям национальной пластики. Всё её творчество отмечено поисками большого стиля эпохи. Излюбленный мотив скульптора — женский образ. Девочка, надевающая венок, выполнена в качестве эскиза для одного из фонтанов ВДНХ в Москве, но потом появился фонтан Дружбы народов, а эскизы разошлись по музеям. Это романтический символ весны, начала, олицетворяющий пробуждение всех животворящих сил природы, происходящее каждой весной. Фигура девочки излучает трепет вечно возрождающейся жизни, ощущение радости бытия и в то же время незащищённость и ранимость. Мы видим представление о советском человеке, гармонично развитая личность во всех её проявлениях и физически и морально, здоровый, крепкий ребёнок, полный жизни.
Теперь пройдём в зал и познакомимся с западно-европейской коллекцией. Продолжение следует…
