Ознакомившись с творчеством русских художников советского периода, мы переходим в следующий зал, где познакомимся с западно-европейской коллекцией. Но сначала хотелось бы остановится у скульптуры «Материнство» Василия Ватагина. Это произведение, проникнутое искренним чувством любви и восхищения животными. Скульптура «Материнство» (1956) — это изображение шимпанзе-матери с двумя детёнышами, трогательно прижавшимися к её телу. Приматы на протяжении всего творческого пути интересовали скульптора, им он посвятил большое количество своих скульптурных произведений. Скульптурные «звери» передают совершенство самой природы.
Василий Алексеевич Ватагин родился в Москве 20 декабря 1883 года (01.01.1884). Его отец был преподавателем гимназии. В юношеском возрасте Ватагин посещал художественную студию Николая Мартынова, затем занимался в студии Константина Юона. Василий с детства любил природу. Ещё будучи студентом, оформлял залы Зоологического музея при университете, иллюстрировал «Зоологический атлас» М.А.Мензбира. Изучая животных, Ватагин много путешествовал и работал в зоологических садах и музеях Европы. Ватагин в разное время своей жизни проиллюстрировал около 50 книг о животных. Среди них рассказы Д.Н.Мамина-Сибиряка, дрессировщика В.Л.Дурова, Э.Сетон-Томпсона, Ч.Робертса, Л.Н.Толстого, В.В.Бианки. Главной книгой для Ватагина, как иллюстратора, стала книга Р.Киплинга «Маугли». Художнику принадлежала мысль выделить из «Книги джунглей» Киплинга рассказы о ребёнке, воспитанном семейством волков, в самостоятельное издание. Заручившись согласием издательства, художник с энтузиазмом принялся за дело и в течение лета 1921 года нарисовал 200 эскизов, выполнил около 120 оригиналов для печати.
К 1908 году относятся первые опыты Василия Ватагина в скульптуре. Излюбленным материалом для создания скульптур стало дерево. Подобно великому итальянскому скульптору Микеланджело однажды ответившему на вопрос, как он создаёт свои скульптуры? — «Я беру камень и отсекаю всё лишнее». Василий Ватагин сказал, что- «…задуманная скульптура находится в выбранном куске дерева, стоит только удалить лишние куски». Ватагин внёс новое в творческую практику скульпторов. Василий Алексеевич внедрил собственный метод работы в твёрдом материале, обходясь без предварительной подготовки эскизной формы. Проецируя с четырёх сторон маленький эскиз на материал, закреплённый на станке. Художник сначала переносил пропорции и самые общие очертания, дальнейшая работа шла не копированием эскиза, а чисто творческим процессом, по словам художника, «развитием темы в материале».
Картина «Портрет скульптора Ватагина», написанный московским художником М.А.Бирштейном изображает Ватагина в момент работы над скульптурой из серии, посвящённой «Маугли» Р.Киплинга в интерьере своей мастерской в московском «городке художников». Из воспоминаний современников «Двигаясь неслышно по узеньким тропочкам в лабиринте между молчаливых, настороженно-неподвижных звериных и птичьих фигур — кажется, вот-вот они оживут и заговорят на разные голоса! Он и сам выглядел музейной редкостью. При галстуке, в пиджаке, в неизменной чёрной шапочке-тюбетейке… Невысокий, сухонький, вежливо-предупредительный…».
Коллекция европейского искусства XVI–начала XX века является наиболее значительной на территории Сибири. Собрание объединяет около трех тысяч произведений живописи, графики, скульптуры и декоративно-прикладного искусства. В его составе как работы крупнейших художников Западной Европы, так и недостаточно известных мастеров. Формирование коллекции началось в 1920-е годы, когда в создаваемый научный музей Иркутска начали стекаться произведения из различных организаций, дореволюционных музеев и частных коллекций горожан. Одной из первых в музей влилась картинная галерея Владимира Платоновича Сукачёва. Коллекция не так многочисленна, но тем не менее отображает основной процесс европейского искусства. Первым мы видим зал Голландии, образцы голландской живописи, в которой господствует бытовой жанр, характерной для голландской живописи. Когда Голландия выходила из под власти Испании, тогда пришло религиозное искусство, религия, которая не допускает религиозных изображений, т.е. иконы в ней не принято писать, поэтому художники развивают такой бытовой жанр живописи. На картинах «Улица голландского города зимой» и «Улица голландского города летом» Саломона Леонардуса Вервера, художник запечатлел живописный уголок города с видом на высокий собор, городские дома и мостовую с жанровой сценкой на переднем плане. В лучших традициях голландской живописи Вервер тончайшими линиями передал всевозможные оттенки снега, серебрящегося в лучах восходящего утреннего солнца.
Голландцы писали свои натюрморты с различной дичью и продуктами или такие вот городские пейзажи, которые были более близки, наверное, жителям живших в своих городах, ценивших этот уют маленьких улиц. Такие картины часто заказывались для украшения интерьеров и поэтому их очень много писалось художниками. В картине «Горный пейзаж» Фредерика де Мушерона воспроизведён любимый мотив горных массивов, которые принесли художнику популярность при жизни. Здесь к горизонту уходят скалы, покрытые лесом, глухо шумит горный поток, со спокойной напористостью пробиваясь между валунами тенистого оврага.
Картина Антони ван Крос «У городской стены». Мастер речных пейзажей Антони ван Крос работал в Гааге, где в 1656 году стал одним из основателей общества «Живопись». Согласно композиции речного пейзажа, художник в картине диагонально развернул пространство и полноводная река, омывающая городские стены, слилась на горизонте с облачным небом. Акцентируя внимание на массивных каменных строениях с шероховатыми отсыревшими стенами, он оживил берег занимательными бытовыми сценками. Несколько неуклюжие, коренастые, но монументальные фигуры рыбаков, как и тёплый с зеленоватыми и золотисто-коричневыми тонами колорит типичны для Кроса.
Картина «Городская набережная. 1847» Карел Якобус Бер. Бер был продолжателем реалистических традиций старых голландских мастеров. Писал главным образом архитектурные пейзажи, преимущественно виды голландских городов. С присущей Беру верностью натуре изображена в картине широкая улица с архитектурными строениями, оживленная людьми и экипажами и постепенно уводящая взгляд зрителя в глубину картинного пространства. Развесистые деревья, с тонко прорисованным кружевом листьев, поддернутая туманом река, написаны более свободными мазками. Разнообразными оттенками зелёного цвета художник добивается большей живописности и даже лиризма в этой части картины.
Появляются первые гильдии живописцев — цеховые объединения живописцев, скульпторов и гравёров-печатников, получившие распространение сначала в Нидерландах и в Италии, а затем, с XV века в низовьях Рейна. Гильдия получила название по имени апостола Луки, покровителя художников, который, как считается, первым изобразил Деву Марию с натуры на доске от стола, за которым сидело Святое Семейство. Гильдильность, характерное для германских, датских, нидерландских художников, предполагает, что художник должен обладать высоким уровнем мастерства, чтобы написать такую картину и доказать свое право на участие в гильдии, а также на то, чтобы её купили. Поэтому все работы, несмотря на малый формат (малые голландцы) написаны очень качественно.
Наряду с таким вот реалистичным пейзажем можем обратить внимание на более итальянский академический пейзаж, который в XVIII веке похож на итальянскую природу, пасторальные сцены, либо же разработка перспективы, архитектурных пропорций, всё тщательно высчитано, померено золотое сечение соблюдено. Можно заметить, что фигуры написаны уже поверх всего великолепия, они введены для оживления, которая без этих людей картина была бы слишком скучной.
Академическая живопись в Европе возникла раньше, чем в России, к тому моменту существовала Болонская академия в Италии, художники ездили учиться часто из других европейских городов. Италия и становится законодательницей в искусстве, там возникают первые течения, в частности Караваджо, чьё творчество можно с легкостью определить — это крупноформатные фигуры, занимающие всё пространство полотна, изображены чаще всего на тёмном фоне и в красках рассвета.
Крупнейший художник Голландии XVII века Хендрик Тербрюгген с 1604 по 1614 годы жил и работал в Италии, где изучал искусство своего кумира – знаменитого итальянского живописца Меризе да Караваджо. По возвращению в Утрехт Тербрюгген становится центральной фигурой голландского караваджизма. «Увенчание Христа терниями» написано около 1622 года – в период расцвета его творчества. На традиционно тёмном фоне картины происходит трагическое событие евангельского повествования – «венчание» Спасителя терновым венцом. В картине идеальный образ Христа отмечен отрешённостью и покорностью судьбе. Фигуры же палачей потрясает реализмом изображения: достаточно взглянуть на кряжистые руки, глубокие морщины на лице и шее старика или его лысеющую голову. Однако в картине нет жёсткого контраста света и тени, типичного для работ караваджистов. Свет у Тербрюггена мягко скользит по фигурам персонажей и затухает в складках желтовато-белых и оливковых одеждах.
У Тербрюггена немного сглажен контраст, который у Караваджо очень резко видно, перепад света и тени. Караваджисты пишут свои работы с натуры, натурщики, за что их тоже первоначально ругают, но позднее из этого течения Караваджа возникли стили барокко, перерождённый впоследствии, в рококо. Барокко можно увидеть в следующем зале: итальянская, испанская и французская школы. Картина «Сивилла» Доменико Цампьери это итальянская школа. По легенде здесь изображена Сивилла — пророчица в момент предсказания. Облик молодой Сивиллы полон трепета от того, что ей ведомы тайны недоступные другим, и еще потому, что живописец явно любовался своей моделью…
По другой версии здесь изображена Беатриче Ченчи — отцеубийца, дочь римского аристократа Франческо Ченчи (1527—1598), прославившаяся красотой и мужественным поведением во время расследования и казни. В 1598 году вместе с мачехой Лукрецией Петрони-Ченчи и братом Джакомо вступила в сговор, чтобы убить отца, «грубого и развратного» старика. Она обвинила своего отца в домогательстве. Поскольку отец был очень богат и влиятелен, то поверили отцу. Беатриче была осуждена за это преступление и казнена вместе с сообщниками через отсечение головы. Эта история послужила сюжетом многочисленных литературных произведений.
Картина «Большой канал в Венеции» Микеле Мариески (1696 – 1743). Дар музею Ф. Е. Вишневского в 1971. Итальянский живописец, архитектор, гравёр и театральный декоратор Микеле Мариески часто изображал родную Венецию. Венеция будничная, с неторопливым течением жизни – основной лейтмотив его картины, на которой запечатлен любимый художником вид Большого канала. Пропитанные влагой дома, уходящая вдаль и влево водная магистраль с разбросанными по зеленоватой воде гондолами, прозрачный воздух и голубое небо создают топографически точный и запоминающийся образ старинного города.
Копия картины итальянской школы «Христос передает ключи апостолу Петру» написанная в XVII веке, выполнена маслом на холсте. Сюжет основан на отрывке из Нового Завета, из Евангелия от Матфея, в котором Христос обращается к апостолу Петру и передаёт ключи от рая и ада. Экспонат был передан в музей 30 декабря 1983 года от Величко Николая Кирилловича.
В 17 лет Бернардо Строцци вступил в орден капуцинов, примерно в 1610 г. стал священником. Между 1614 и 1621 г. числился корабельным инженером Генуэзской республики. Работая как живописец, Строцци привлёк симпатии многих венецианских художников, отчасти ему подражавших. Строцци писал монументальные, в духе Караваджо, жанровые сцены, трактованные в бытовом плане религиозные композиции. Лучшие произведения Строцци отличаются свободной манерой письма, демократизмом, а иногда и остротой образов. В 1631 году Бернардо Строцци, разочаровавшись в монашеской жизни, бежал из монастыря в Венецию. В Венецию он приехал уже сложившимся мастером, хотя споры о том, когда сложился его индивидуальный стиль: в конце 1620-х годов в Генуе или в 1630-е годы в Венеции, ведутся до сих пор. Проживая в Венеции, Строцци был вынужден опасаться преследования монастырских властей, стремившихся вернуть его в лоно церкви.
Картина «Три мужские фигуры» Итальянский мастер XVII века. Дар музею Н. К. Величко в 1969 г. Возможно неизвестный итальянский художник, последователь Караваджо, на картине изобразил евангельский эпизод, предшествующий казни Иоанна Крестителя. Трактует он его как земное повседневное событие. В лицах персонажей угадываются портретные черты. Крепко написанные, сложных ракурсов фигуры поглощаются и одновременно «выталкиваются» темным фоном картины, благодаря убедительно переданному художником то вспыхивающему, то затухающему свету. В теплом колорите золотистых и охристых тонов едва различимы архитектурные детали интерьера.
Венера Италийская — мраморная скульптура Венеры (Афродиты), выполненная по заказу Наполеона Бонапарта итальянским скульптором Антонио Кановой. В музее хранится копия известной скульптуры. Итальянского художника-неоклассика Антонио Канову (годы жизни 1757-1822) можно с лёгкостью назвать одним из самых известных скульпторов данного направления в искусстве. К концу XVIII века он стал самым востребованным мастером на территории Европы, создавая скульптуры для некоторых из самых известных людей нашей планеты. Его творения были описаны как лишённые всяческих преувеличенных драматических эффектов, используемых чуть ранее художниками стиля барокко. Тем не менее, их считали достаточно живыми, они отчётливо отличались от скульптур, созданных в древности.
Картина «Призвание апостолов» Никола Пуссен из коллекции В. П. Сукачева в 1920 г. Представитель французской школы Николя Пуссен, очень известный художник, который творил в России. Евангельский сюжет о призвании Христом в ученики двух братьев-рыбаков Иакова и Иоанна Зеведеевых («Евангелия от Матфея») воплощается в строгой, классицистической композиции. На фоне величественного пейзажа благородно-сдержанные движения и жесты персонажей подчиняются размеренному ритму. Пуссен в гармоничном слиянии прекрасной природы и совершенного человека следует мечте об осмысленности поступков людей и разумной организованности мира. Здесь изображена классическая академическая композиция. Эта картина знаменита тем, что её в 1917 году пытались вывезти белочехи, которые оставались здесь после боёв. Благодаря бдительности органов, было сообщено, что пытаются вывезти в поезде ценную работу. В вагоне, в котором находилась картина, бойцами Красной Армии был произведён обыск. Первоначально они ничего не нашли, но заметили, что был накрыт в вагоне большой стол, на котором стояла бутылка и стаканы с чаем. Кто-то из сотрудников поднял скатерть, а под ней оказалась эта картина. На ней до сих пор остались следы от горячих стаканов с чаем. Таким образом картина осталась в Иркутске. Очень удивительно, что вся коллекция музея сохранилась. Благодаря таким неравнодушным людям, которые понимали ценность этих произведений, ценность коллекции Сукачева в первую очередь, не дали быть расхищенной этой коллекции и почти в полном составе она была передана в музей.
Картина «Концерт» Р. Гинкур поступила в музей из мужской гимназии в 1920 г. Сведения о Гинкуре отсутствуют. Картина, вероятно, привезена в Иркутск с выставкой французского искусства Ж. Рацковским в 1903 году. «Концерт» представляет собой образец салонной живописи конца ХIХ – начала ХХ века. В нём есть очарование ушедшей, а от того ещё более прекрасной, эпохи: «развлекая» зрителя, художник переносит его в парижскую гостиную ХVIII века, где звучит лёгкая светская музыка (как виртуозно музицирует скрипач!), с интересом внимает ей епископ в красной мантии, а в игре жестов кавалеров и дамы угадывается лёгкий флирт.
Этье́н Мори́с Фальконе́ (1716 — 1791) — французский скульптор, рисовальщик и теоретик искусства. Один из крупнейших мастеров миниатюрной и монументальной скульптуры эпохи позднего рококо и неоклассицизма, автор композиции памятника российскому императору Петру I в Санкт-Петербурге — так называемого «Медного всадника». Скульптура «Купальщица» изображает прелестную полуобнаженную девушку, готовящуюся к купанию. В чувственной и одновременно целомудренной фигуре купальщицы Фальконе, как считается, запечатлел момент, когда девушка становится женщиной. Чистые линии стройного тела и изящной ступни, тянущейся к воображаемой воде, демонстрируют зрителю невинную застенчивость купальщицы. Скульптор ловит момент перед самым омовением, когда купальщица носком проверяет температуру воды. Фальконе задаёт новую эстетику женской телесности – удлинённые пропорции, узкие бёдра, покатые плечи, гибкая линия шеи и небольшая высокая грудь. Простая причёска «Купальщицы» – гладкая, с центральным пробором – вдохновлена античностью. Маленькая голова и мягкое, почти детское личико в форме сердца надолго войдут в моду вместе со стилем рококо. «Купальщица», изображающая нимфу, погрузившую свои ноги в воду. Это произведение Этьена Фальконе выполнено очень изящно, без малейшего намека на вульгарность. Она стоит, опираясь о высокий пень, и, слегка придерживая у бедра легкую ткань, пробует кончиками пальцев ноги воду. За счет небольшого наклона головы красиво подчеркивается гибкая линия шеи купальщицы, а ее лицо сохраняет детскую округлость. Так, казалось бы, обычные черты девушки под резцом мастера становятся поэтически выразительными. Успех статуи был настолько громким, что её создателю, не имевшему на тот момент никаких официальных титулов, предложили возглавить знаменитую Севрскую фарфоровую мануфактуру. «Купальщица» неоднократно повторялась и самим Фальконе, и другими скульпторами.
Далее небольшая коллекция немецкой школы живописи, для которой характерно влияние Италии и Венеции, учатся они часто у итальянских художников. Художник придумывает произведения, как иллюстрацию. Кто-то может узнать Египет в этом сюжете, который больше напоминает средневековый замок. Представления художника о местах которые они писали часто основываются на каких-то гравюрах, либо на каких-то своих представлениях, подчёркнутых из книг.
Картина «Прусские кирасиры атакуют французскую пехоту» написана Карлом Фридрих Шульц (1796 – 1866) в 1949 году. На картине изображена Война 1813–1814 годов. В музей картина попала как дар Ф. Е. Вишневского в 1963. Воспитанник, в дальнейшем преподаватель и профессор Берлинской Академии, Шульц завершил образование в поездках на Рейн, в Голландию, Францию и Англию. Приехав в 1847 году в Россию, снискал батальными полотнами популярность при императорском дворе. Воссоздавая один из эпизодов войны союзников с Наполеоном I, Шульц эффектно показывает атаку прусских кирасиров, неудержимой лавиной теснящих французских пехотинцев. С исторической точностью передаёт регалии родов войск противников. Очевиден в картине исход сражения. Неизбежное поражение французов – в выражении их лиц, отчаянном сопротивлении поверженного солдата, красноречивых деталях, например, брошенном барабане некогда доблестной наполеоновской пехоты.
Картина «Портрет Христины Юлианы фон дер Ховен» написана Иоганн Готтлиб Беккер представителем немецкой школы. Художник-портретист XVIII века Иоганн Готтлиб Беккер работал в Ливонии и Кёнигсберге. Согласно надписи на обратной стороне холста на портрете изображена Христина Юлиана фон дер Ховен, урожденная фон Виттен, в 23 года вышедшая замуж за графа Эрнста фон дер Ховена. Беккер писал портрет с натуры. С большим вниманием он отнёсся к передаче индивидуальных черт лица и изящной фигуры графини. Подчеркнул гармонию алого цвета платья и тонких серебристых кружев рукавов, изысканность орнамента украшений. Несмотря на традиционную для портрета этого времени статичность позы и некоторую отстранённость образа молодой женщины от зрителя, портрет притягивает и волнует ароматом ушедшей эпохи.
Фарфор пришел в Европу из Китая, он был очень популярен, изделия из него были очень дорогими. Когда только начал проникать китайский фарфор в Европу, разбившиеся вещи не выкидывались, осколки от этого фарфора дамы носили на себе в качестве украшения. Тонкость, белизна и прозрачность этого фарфора не могли повторить европейские мастера, они не знали рецепт твердого фарфора, китайцы же свои секреты не выдавали. Мейсинским мастерам фактически пришлось изобретать всё самим заново. Первоначально делали из мягкого фарфора, который был не очень прочным, не позволял сделать тонкую работу, по белизне тоже уступал китайскому. Твердый фарфор был разработан человеком, который первоначально искал рецепт философского камня, за что был осуждён. Он проводил свои алхимические опыты, за которые и был заключен в тюрьму. За него попросил один из создателей Мейсенской мануфактуры: — «пусть он лучше сделает фарфор». Его конечно не выпустили, но он всё же нашёл этот рецепт твёрдого фарфора. Он догадался добавлять в рецепт каолин, кварц и полевой шпат и получать именно твердый фарфор.
Мейсенская фарфоровая мануфактура или Майсенский фарфор — продукция первой в Европе мануфактуры, долгое время бывшей ведущим предприятием, на котором изготавливали первый в Европе настоящий твёрдый фарфор. Знаменитую немецкую мануфактуру Meissen основали после того, как алхимику Иоганну Бёттгеру удалось получить рецепт первого в Европе белого фарфора. С января 1710 года начинается история предприятия, которому удалось не только пережить все кризисные периоды, но и снискать мировую славу за свою великолепную фарфоровую продукцию. С момента основания фабрики работу над фарфором приходилось вести в строжайшем секрете, так как его рецептуру жаждала узнать вся Европа. В процессе производства используется больше 10 000 красок различных оттенков, рецептура которых держится в строжайшем секрете. По этой причине предприятие, изначально созданное в Дрездене, уже через полгода перевели в замок Альбрехтсбург в городе Мейсен. Это был старый замок, расположенный на вершине горы, так что попасть туда было не так-то просто.
Датская фарфоровая мануфактура «Бинг и Грёндаль». Некоторые факты о фабрике в период конца XIX — начала XX века: основана 15 апреля 1853 года художником и скульптором Фредериком Вильгельмом Грёндалем и братьями Мейером Херманном и Якобом Херманном Бинг. Первая продукция — фарфоровые фигурки животных, птиц, рыб, детей, копирующие работы датского скульптора Бертеля Торвальдсена. В 1880-е годы фабрика производила обеденные, кофейные и чайные сервизы с полихромной подглазурной росписью цветочным орнаментом. Такой стиль в фарфоре получил название «Саксонский цветочный стиль». В 1898 году для фарфора марки Bing & Grondahl было выбрано клеймо — изображение трёх башен, с древних времён являвшееся символом Копенгагена. «Визитной карточкой» мануфактуры считается знаменитый сервиз «Чайка» фирменных нежно-голубых тонов. Дизайн и роспись сервиза были созданы художницей фабрики Фанни Гард в 1892 году. В 1987 году произошло слияние компании «Бинг и Грёндал» с её историческим конкурентом — Датской Королевской мануфактурой. Сегодня фарфоровые изделия этих фирм производятся под общей маркой «Royal Copenhagen».
Картина Витольд Прушковский «Смерть Ангелли» (1879) представлена польской школой. Польский живописец Витольд Прушковский в юности три года учился в Париже у Теодора Горецкого. Сформировался как живописец в мюнхенской Академии художеств в 1868-1872 годах. «Смерть Ангелли» написана на основе поэмы «Ангелли» Юлиуса Словацкого, посвященной польским ссыльным в Сибири. Эффектная композиция вертикального холста в картине окрашена романтическими переживаниями по рано оборвавшейся молодой жизни. Тревожно звучание цветовой гаммы – алого зарева, снега с распростертым на нем прекрасным юношей, светлого платья скорбящей возлюбленной в виде ангела. По свидетельству современников картину «Ангелли» Прушковского знала вся Польша. Художник так вдохновился этой поэмой, что в такой символистическом ключе он изобразил гибель юноши по поэме: — «Господь, когда увидел смерть юноши, с его глаза скатилась слеза, из которой возник ангел, который оплакивает смерть Ангелль. Картина была в Польше на выставке, все были восхищены, прониклись, сказали, что это «Мать Польша» оплакивает своего сына. Это произведение искусства обладает глубокой символикой и мощным эмоциональным воздействием, погружая зрителя в атмосферу боли, утраты и неизбежности.
Я описала не всю коллекцию собраний искусства Европейских стран, здесь есть и полотна Австрийских художников, и Норвегия представляет свою школу, и Фламандские художники, и Швеция, и Чехия. Коллекция западно европейской живописи немногочисленна, но тем не менее есть такие редкие вещи, которые не во всех музеях бывают. Мы отправляемся дальше. Осталось посмотреть зал искусства стран Востока, в котором представлены работы из Китая, Индии и Японии. Продолжение следует…
