После посещения Иркутского краеведческого музея мы в этот же день, а именно 4 января 2024 года, направились в Иркутский художественный музей, который находится недалеко. Музей представляет собой двухэтажный каменный особняк с парком в центре Иркутска по ул. Ленина, 5 — бывшее здание Иркутской мужской классической гимназии. В 1905−1907 годах построено второе здание Иркутской мужской гимназии. Оба здания бывшей Иркутской мужской гимназии представляют собой комплекс, сложившийся из корпусов, построенных в разное время и в разных архитектурных стилях. Два здания оказались под одной крышей благодаря многочисленным перестройкам и реконструкциям. Музей в этом здании располагается с 1975 года.
На первом этаже музея находится раздевалка, небольшой киоск, он же и является кассой, где мы приобрели замечательную книгу об этом музее и входные билеты. Экскурсия для посетителей музея была бесплатная. Первое впечатление было не совсем хорошее, т.к. стояли везде железные решетки, пусто и неуютно показалось сначала, велись даже какие то ремонтные работы. Желающие на посещение музея с экскурсией, ожидали гида на первом этаже здания.
Нашим гидом по музею в этот день была Мария Юрьевна, которая очень интересно и ёмко рассказала о коллекциях музея, указывая нам на важные моменты экспозиций и картин в этом большом фонде музея. Экскурсия прошла на одном дыхании, при этом никто не устал, никто не разошёлся, люди наоборот, только подходили и присоединялись к нашей экскурсии. Мы выразили ей огромную благодарность, по окончании экскурсии, за её умение интересно подать материал. Наша экскурсия началась со второго этажа здания, где располагается коллекция Русского искусства. Здесь же стояла наряженная ёлочка, создавая новогоднюю, праздничную атмосферу. Мы поднялись на второй этаж по красивой лестнице.
Иркутский областной художественный музей им. В.П. Сукачёва — один из наиболее старинных музеев России после Государственного Эрмитажа и Третьяковской галереи. Коллекция музея насчитывает более 23 тысяч произведений живописи, графики, скульптуры и декоративно-прикладного искусства различных времён и народов и является богатейшим за Уралом. Сегодня здесь располагаются основные экспозиции музея: «Русское искусство XV–XXI веков», «Западноевропейское искусство XVII–XIX веков», «Искусство стран Востока XIV–XX веков (Китай, Монголия, Япония)», фондохранилище, библиотека, архив, реставрационная мастерская. Начало формированию сибирской сокровищницы положила частная картинная галерея крупного общественного деятеля Сибири Владимира Платоновича Сукачёва — городского главы Иркутска, председателя Восточно-Сибирского отдела Императорского русского географического общества (ВСОИРГО), крупнейшего благотворителя. Первые картины русских художников студент Владимир Сукачёв приобрел в 1870 году в Петербурге, где учился на юридическом факультете Петербургского университета. Этот год традиционно считается годом основания Иркутского художественного музея.
По традиции, экскурсия начинается перед портретом основателя музея иркутянина Владимира Платоновича Сукачёва. Его автор – столичный художник Василий Худояров, один из любимых живописцев Сукачёва. На портрете – известный общественный деятель Иркутска, Сибири, щедрый благотворитель и, прежде всего, создатель первой за Уралом картинной галереи. На портрете Сукачёв изображён в возрасте 33 лет. Худояров написал его как «элегантного сибиряка», утончённого и образованного.
Владимир Платонович Сукачёв из дворянского рода, родился 14 июля 1849 года в Иркутске в семье чиновника Главного управления Восточной Сибири, коллежского советника Платона Петровича Сукачёва и Аграфены Никаноровны, урождённой Трапезниковой, принадлежавшей к старинному и богатому золотопромышленному сибирскому купеческому роду. Благодаря состоянию, которому он получил, он тратил на благотворительность, на пополнение своей коллекции. За время управления Иркутском он много сделал для его развития. При нём в Иркутске было организовано Добровольное пожарное общество, появились телефонная связь, был построен первый понтонный мост через Ангару. Сукачёв вложил значительные средства на развитие родного города, пожертвовал деньги на строительство городского театра. Построил богадельню и приют для малолетних преступников. Организовал в Иркутске Общество попечения слепых и открыл училище для слепых. Большое внимание В.П. Сукачёв уделял народному образованию, особенно воспитанию подрастающего поколения. Много внимания В.П. Сукачёв уделял науке, в частности Восточно-Сибирскому отделу Императорского Русского географического общества (ВСОИРГО), жертвовал ему значительные средства, финансировал пополнение коллекции музея, финансировал экспедиции. Таким образом, на протяжении двенадцати лет, вплоть до своего отъезда в Санкт-Петербург в 1898 году, В.П. Сукачёв бессменно руководил городом Иркутском и возглавлял городское общественное управление. Несмотря на широту и разнообразие общественных интересов В.П. Сукачёва, иркутяне запомнили его, прежде всего, как создателя Иркутской картинной галереи. В своей усадьбе в Иркутске В.П. Сукачёв одно из строений приспособил под картинную галерею, доступную для всех желающих. Галерея принимала по воскресеньям посетителей не только из числа горожан, но и приезжих, в том числе и из сёл. Для учащихся вход был бесплатный в любой день. В последние годы жизни Владимир Платонович Сукачёв жил в Петербурге и активно занимался издательской деятельностью. Во время Гражданской войны В.П. Сукачёв переехал в Бахчисарай. Там, на 71 году жизни 2 января 1920 года он скончался.
При жизни он не увидел галереи, которая была построена для горожан, где была размещена его коллекция. Он хотел передать городу свою коллекцию, но по ряду условий власти не пошли ему навстречу, высказав условия, что примут его коллекцию только если он сам построит для неё музей и сам будет его содержать на свои деньги. Потом грянула революция и коллекция была национализирована в 1920 году. Так или иначе горожане получили возможность увидеть эти произведения, они перешли городу. Сам он к тому времени не дожил, но его коллекцию здесь хранил его поверенный, благодаря которому ничего не пропало и всё в полной сохранности было передано уже вновь созданному Городскому музею. Сюда стекались произведения из разных источников: Государственного музейного фонда, государственных и общественных организаций Иркутска и Москвы, частных коллекций иркутян, коллекция постоянно пополнялась за счет меценатов, купцов, горожан и не могла уже вместиться в небольшое помещение музея, поэтому необходимо было отдельное здание. В 1936 году в Иркутске открылся самостоятельный художественный музей.
Первый из залов, в который мы заходим, является иконопись — Коллекция древне русской живописи. Коллекция икон Иркутского художественного музея одна из самых значительных в Сибири и на Дальнем Востоке. Драгоценной частью иконописного собрания музея является дар знаменитого московского коллекционера В.В. Величко. Более ста икон – памятники ХV–XVII веков крупнейших художественных центров (Новгорода, Пскова, Москвы). Искусство иконописи пришло на Русь из Византии с принятием христианства в X веке. Пришла Византийская традиция написания икон «греческого письма» и очень многие каноны влияли на иконопись на Руси. К XIII веку формируется самобытная, ясная и чистая, именно русская, исполненная особой духовности православная традиция. Сложились свои школы в определенных провинциях. Здесь как раз можно посмотреть иконы различных русских школ. Иконы писались в основном на дереве. Наиболее известная из них — Новгородская школа, представлена иконой «Богоматерь Одигитрия Смоленская», эта одна из старейших икон коллекции — ХV век. Одигитрия (греч. «Путеводительница») − один из самых древних иконографических типов в византийском искусстве. По преданию, первая икона «Одигитрия» была написана евангелистом Лукой. Характер изображения иконы восходит к знаменитым «краснофонным» иконам, свидетельствует о самобытном и демократичном стиле новгородского искусства, имеющем глубокие народные корни.
Следующая икона «Спас Нерукотворный Мокрая Брада». По Преданию, «Спас Нерукотворный» — первое и, более того, прижизненное изображение Христа. Царь Эдессы (город на юго-востоке современной Турции) Авгарь тяжело заболел. Он отправил к Христу художника, чтобы тот написал Его портрет, надеясь через него исцелиться, но у придворного живописца ничего не получилось. Тогда Спаситель умыл свое лицо и вытер его полотенцем, на котором отпечатался Его лик. Так как борода после умывания была мокрая, то она отпечаталась в виде клиновидной пряди, и поэтому этот образ иногда называют «Спас Мокрая Брада». «Спас на убрусе» (старослав. убрус — полотенце), первый тип изображений «Спаса Нерукотворного». Полотно было доставлено царю, и тот исцелился. В благодарность за это чудо, Авгарь приказал поместить образ над вратами Эдессы. В годы гонений, христиане заложили кладкой Нерукотворный Образ в нише врат. Когда кладку разобрали, оказалось, что святынь теперь две — лик Христа отпечатался на черепице. «Спас на чрепии» — второй тип образа «Спас Нерукотворный». Лик Христа здесь изображается не на полотне, а на коричневом или золотом фоне. К этому типу относится знаменитый «Спас Нерукотворный» XII века, хранящийся в Третьяковской галерее. Новгородский мастер создал величественный, глубокий образ Христа. Отличительная особенность — круглый нимб, в который полностью вписана глава Спасителя. Нередко в храмах изображали и «Спас на убрусе», и «Спас на чрепии» — друг против друга, на восточной и западной стене. «Спас Нерукотворный» — один из самых чтимых в Православной церкви образов. Посредством иконы мы встречаемся с Христом лицом к лицу, вернее, лицом к Лику. Изображения Нерукотворного Спаса − защитника русской земли и покровителя русского воинства – помещали на крепостных воротах, на воинских знамёнах.
Если обратить на тип изображения на иконах, то это схематичное изображение, т.к. основное назначение икон — это религиозное, перед иконой нужно было молиться, чтобы ничего не отвлекало. Изображению уделено немного внимания. Достаточно плоские одежды, не видно фигур как таковых, не принято изображать Святых как людей. Достаточно условные, схематические изображения и архитектуры. У православных важно было то, что рассказывает икона, потому что любая икона это определенный сюжет библейский либо какой то религиозный. В каких-то провинциях были более популярны одни сюжеты: рождество, крещение или что-то ещё, у других почитались какие-то Святые, которых изображали чаще всего на иконах.
Московская иконопись ХV века — время подлинного рассвета этой школы представлена одним из самых замечательных памятников коллекции — иконой «Беседа Христа с книжниками. Преполовение». Преполовение — половина Пятидесятницы, то есть время между праздниками Пасхи и Сошествия Святого духа (Пятидесятницы). Название праздника церковь заимствовала из Евангелия. Сложившаяся иконографическая схема объединяет подобную проповедь Христа с эпизодом, описанным в Евангелии от Луки. По достижении Иисусом Христом 12-летнего возраста семья совершает паломничество в Иерусалим на праздник Пасхи, во время которой отрок исчезает. Его находят в храме среди учителей проповедующим: «И все дивились его разуму» (Лк.2,42-51). Это событие стало первым проявлением божественной мудрости Иисуса. Гармония ритма и цвета, духовная и художественная соразмерность персонажей создают особое просветленное состояние приобщение к Благодати.
К XVII веку получил свое завершение процесс стирания различий, существующий между иконописными школами, московская школа живописи превращается в общерусскую. Особая роль принадлежит иконной мастерской Оружейной палаты Московского Кремля. Её мастера уже задают так скажем «моду» в иконописи. Если ранее иконы были схематичные, то теперь появляется живоподобие в изображениях, это уже более относится к жанру искусства. Здесь уже соблюдаются определенные пропорции. Фигуры в иконе становятся более очеловеченные. Под складками одежды просматриваются очертания фигуры. Более детальное изображение одежды. Икона от религиозного назначения приходит к более бытовому назначению. Проникает в жизнь, быт, богатые люди заказывают себе украшенные дорогими окладами, камнями драгоценными иконы в дом. Благодаря богатым заказчикам иконопись получило такое развитие. Каждая маленькая сцена очень детально прописана, что характерно для живописных произведений. Иконописцы, достигнув определенного мастерства, стремятся уже к эстетической составляющей икон. Формируется новый стиль в иконописи — «Строгановский», для которого характерно миниатюрное детализированное письмо с обилием тончайших разделок золотом. Наглядно эти качества раскрываются в произведениях московских иконописцев «Спас Вседержитель».
К Строгановской школе относится и Походный иконостас XVII века. В XVI–ХV веках было создано немало походных иконостасов, сопровождавших русских людей в походах и поездках. Обычно «походная церковь» представляет в уменьшенном размере иконостас храма — преграды, отделяющей алтарь от остального пространства, заполненной рядами («чинами») икон, расположенных в строгой последовательности. В данном иконостасе отдельные иконы составляют композицию из трех рядов. Нижний ряд — Деисус (греч. «деисис», моление), в центре которого по московской традиции изображен Спас, по сторонам Богоматерь, Иоанн Предтеча, архангелы, апостолы и почитаемые святые. В праздничном ряду — наиболее важные господские праздники. Верхний ряд — пророческий, с изображением Богоматери Печерской в центре и пророков Ветхого Завета. Походный иконостас представляет все основные сюжеты и образы Святых как и большой церковный иконостас. Расположены они в соответствие с небесной иерархией, в которой главное место отводится Деисусу.
Несмотря на преобладающее влияние столичного стиля, значение местных школ в это время не утрачено. «Рождество Христово» — икона первой половины ХVII века — одно из лучших произведений Костромских иконописцев. Рождество Христово — один из важнейших праздников христианского календаря. Рождение Спасителя произошло в Вифлееме. Мария, спеленав младенца, положила его в ясли. Ангелы явились пастухам, призвав их поклониться Божественному Младенцу. Чудесным образом, узнавшие о рождении Христа волхвы также прибыли на поклонение к нему. Среди даров, принесённых волхвами, было золото как Царю, ладан как Богу и смирна как человеку. Развёрнутый извод, представленный на иконе, кроме центральной сцены с возлежащей на красном ложе Марией и Младенцем в яслях, включает несколько сцен: Шествие и Поклонение Волхвов, Бегство в Египет, Избиение младенцев, Плач Рахили.
Балканские православные иконы редко встречаются в собраниях музеев России. Отличие — тип доски (кипарис) иконописная манера, колорит. Колорит отличается от русских икон — сочетание насыщенного зеленого, красного и густого синего. «Успение Богородицы»
В музее хранится уникальный экспонат – казачья Илимская хоругвь. Она является уникальной и бесценной потому, что является одной из самых старых в Восточной Сибири. Возраст её относится ко второй половине ХVII века, приблизительно, с 1625-1650 годов.
В этот период времени казаки и осваивали сибирские земли для русских поселений. На одной стороне находится достаточно популярный сюжет Спаса. В Сибири он был очень популярен потому, что Спас был защитником, покровителем русского воинства. В Сибири первые изображения Нерукотворного образа встречаются, начиная со времён её освоения. Традиционно, образ размещали на хоругвях и стягах, уповая на защиту Господа от врагов, во время военных походов. Здесь представлен настоящий казачий хоругвь, с которым казаки пришли основывать Илимский острог. На другой ее стороне изображен также популярный сюжет — «Крещение». Казаки принесли с собой православие на Сибирскую землю и местные племена коренных народов часто принимали православие, происходило взаимодействие культур.
Это становится определенным этапом, когда искусство из религиозного проникает в быт, складываются предпосылки к написанию портретов людей, ни когда-то живших, а имеющих важность в истории нового времени — правителей, царей, князей, состоятельные люди заказывали себе портреты семьи и детей. В следующем зале можно посмотреть первые изображения так называемой парсуны. Парсуна — это вид ранней русской портретной живописи, который развивался в XVII — начале XVIII века. Парсуна стала переходным жанром между иконописным изображением людей и светским портретом. Слово «парсуна» происходит от искажённого латинского слова persona, что означает «личность», «особа», «лицо». До XVIII века так называли все портретные изображения людей.
Создавались мастерами-иконописцами, поэтому картины имеют близкое сходство с каноническими изображениями святых: они парадны, орнаментальны и статичны. В парсунах прежде всего акцентировалась принадлежность изображённого к высокопоставленному чину. Персонажи предстают в роскошных нарядах, на фоне богатых интерьеров. Внимание художников сосредоточено не на лицах, а на позах изображённых, на богатых деталях, аксессуарах, изображениях гербов и надписях. Персонажами были, прежде всего, цари, князья, военачальники, церковные иерархи.
Теперь картины пишутся не на деревянных дощечках, а на холсте маслом. Мастера учились писать бытовые портреты у европейских мастеров. Первые попытки светской живописи — парадные портреты. Неизвестный художник первой половины XVIII века, предположительно Адольский Иван Николаевич(?). Даты жизни неизвестны. Один из талантливых мастеров и педагогов допетровской «художественной школы», которая сформировалась вокруг Оружейной палаты Московского Кремля. Возможно, среди его воспитанников был и автор данной копии с его работы. На портрете изображена Екатерина I Алексеевна, урождённая Марта Скавронская (1684−1727) — супруга Петра I. Платье с императорской мантией украшают лента и звезда высшего ордена — Андрея Первозванного. Автор ещё не владеет тонкостями европейского письма: тело увесистое и тяжкое, лицо белое с неестественно ярким румянцем и нарочито черными соболиными бровями; фон густой, непрозрачный. Однако портрет ближе к натуре, чем идеализированные работы иностранных авторов. Если приглядеться, то рука у императрицы немного непропорциональна написана. Изображение в целом тяжеловесное.
После смерти Петра была создана Санкт-Петербуржская академия художеств, в которой художники начали уже профессионально обучаться живописи. Подрастало поколение собственных художников и наиболее известными становятся Левицкий, Боровиковский, Щукин. Образец работы Левицкого Г.Д. «Портрет Екатерины II» необычен. Перед нами не самодержица, законодательница, а императрица эпохи Просвещения, поклонница Вольтера и Дидро, с которыми охотно переписывалась. В портрете отсутствуют атрибуты власти. Екатерина изображена около своего любимого письменного стола, за которым проводила большую часть времени. Её красноречивый жест направлен на личный чернильный прибор и стопку бумаг, лежащих на столе. Несмотря на то, что она немка, на портрете императрица изображена в русском костюме. Русскую культуру она очень любила и именно она ввела моду на русский костюм. Её верхняя часть — молдаван, который она стала носить после 1769 года, чтобы скрыть полноту. На голове малая корона, на груди Андреевская и Георгиевская звезды. Если не знать кто нарисован здесь, то первое, что бросается в глаза, что лицо похоже на мужчину. Первоначально, когда эта картина поступила в фонд музея, то была под надписью «Портрет неизвестного мужчины». Когда реставраторы расчистили портрет, то под слоем краски они обнаружили украшения, в виде серьги и при дальнейшем изучении поняли, что перед ними портрет Екатерины II.
Интересная история связана и с портретом поэта Г. Р. Державина. Портрет экспонируется в зале русского искусства ХVIII века, рядом с «Портретом императрицы Екатерины II» кисти Д. Левицкого (1770-е гг.). Именно ей посвящено самое знаменитое произведение Державина – «Ода к Фелице». На иркутском портрете изображен Гаврила Романович Державин (1743−1816) — выдающийся поэт и государственный деятель, высоко ценивший заслуги иркутских купцов в освоении Сибири. В свою очередь иркутяне «помнили наизусть и любили цитировать» его стихи. Портрет исполнен для купца М. В. Сибирякова в ответ на его подарок – шубу и шапку на меху. В 1920 году эта картина поступает в музей из бывшего дома купца Серебрякова — из генерал-губернаторского дома. По легенде, которая существует в музее, портрет появился благодаря тому, что Серебряков увлекался творчеством Державина и пытаясь показать, что в Сибири тоже живут просвещенные люди, которые поэзию ценят, он послал Державину в подарок соболью шубу и шапку. Державин был так восхищен подарком, что заказал свой портрет в этом одеянии у Николай Ивановича (Сальватор) Тончи и послал его обратно в Иркутск Серебрякову, который повесил её у себя в особняке. Сибиряков картину «доработал». В календаре-справочнике по Иркутску в конце ХIХ века написано: «Сибиряков отвёл для портрета особую комнату и поручил какому-то иркутскому живописцу над головой поэта нарисовать летящего ангела с трубой и написать слова, как бы выходившие из трубы: «Дай Бог побольше таких». После смерти Сибирякова (1814г.) портрет был унесён в амбар и лежал там до назначения генерал-губернатором Синельникова, который, увидев его, приказал принести в парадные комнаты и поручил живописцу Вронскому в начале 1870х закрасить ангела и надпись, нарисовать небо, а у ног поэта — Иркутск». Также он попросил заменить летний пейзаж на зимний. Был дорисован поверх изображения хребет Хамар-Дабана и сборное изображение вида города Иркутска. Так усилиями нескольких художников получился портрет Державина на фоне Иркутска. Здесь мы видим финальное изображение портрета, поскольку первоначально всё-таки было другое изображение. На рентгене, когда реставраторы его исследовали, видно, что на месте, где сейчас находится сосна, располагалась голова ангела, летящего над Державиным.
У этой картины есть и своя собственная судьба. Судьба портрета тесно связана с яркой и трагической историей «сибирского дворца»: портрет долгие годы (с 1837, когда дворец отошёл казне) был украшением пышной резиденции генерал-губернаторов Восточной Сибири, а в декабре 1917 года стал жертвой кровавых боёв вокруг дворца Красной Армии и Колчаковской. Портрет получил тогда «свыше 50 прорывов, многие, с утратой авторского холста размером 10х10 см, на лице прорыв от глаза до шеи, глаз разорван, на шее – большой выпад холста» (Государственные реставрационные мастерские имени И.Э. Грабаря в Москве. Из акта приёма на реставрацию от 14 августа 1948г.). Только в 1952 году портрет вернулся из Москвы и обосновался в музейной экспозиции. Но старые раны периодически дают о себе знать, и время от времени он попадает в руки музейных реставраторов.
Следующая картина, находящаяся в зале русского искусства XVIII века, по размерам сопоставимая с Портретом Державина — картина Павла I, о которой я расскажу в следующей своей статье. Продолжение следует…
