Третьяковская галерея.

В столице России есть множество музеев, представляющих интерес для ценителей искусства. Но самым посещаемым и известным считается Государственная Третьяковская галерея, экскурсия по которой позволит своими глазами увидеть огромное и уникальное наследие, оставленное русскими художниками своим потомкам. Здесь собраны бесценные экспонаты, созданные Андреем Рублевым, Виктором Васнецовым, Михаилом Врубелем, Николаем Рерихом и многими другими гениальными художниками разных эпох.

Третьяковская галерея Москвы — настоящая сокровищница, экскурсии по которой будут интересны и познавательны для всех ценителей живописи вне зависимости от их вкусовых предпочтений.

В Лаврушинском переулке Замоскворечья, в доме, который семья Третьяковых купила в 1851 году, находится основное здание Третьяковской галереи. Так как рост собрания постоянно превосходил экспозиционные возможности Галереи, к жилой части особняка постепенно пристраивались новые помещения, необходимые для хранения и демонстрации произведений искусств. 3 июня 1918 года Совнарком издал Декрет, который объявлял Третьяковскую галерею государственной собственностью Российской Федеративной Советской Республики. С этого момента музей стал называться Государственной Третьяковской галереей. После национализации директором Галереи был назначен И.Э.Грабарь. За первые же годы Советской власти собрание Галереи значительно увеличилось, что вновь остро поставило вопрос о расширении ее площадей.

Павел Михайлович Третьяков, обеспечив семью материально, он считал, что деньги должны служить лучшим целям, чем просто растрачивание на сиюминутные нужды.
Сохранилось письмо П.М.Третьякова дочери Александре, где он пишет: «Моя идея была с самых юных лет наживать для того, чтобы нажитое от общества вернулось бы также обществу (народу) в каких-либо полезных учреждениях; мысль эта не покидала меня никогда во всю жизнь… Обеспечение должно быть такое, какое не дозволяло бы человеку жить без труда». Сам Павел Михайлович много трудился и имел мало свободных минут. Большую часть времени отнимали торгово-промышленные дела – управление Костромской льнопрядильной фабрикой, магазины и другие, а все оставшееся время посвящалось любимому детищу – галерее (посещение выставок, художников, строительные работы в галерее, развеска, составление каталога и т.п.). Была еще и благотворительная деятельность. Много сил отдал П.М. Третьяков Арнольдовскому училищу для глухонемых, попечителем которого являлся. Он также принимал участие в деятельности Православного миссионерского общества, занимался попечительством о бедных, состоял членом Коммерческого суда, и конечно был членом разных обществ – художественных, благотворительных, коммерческих. Много хорошего сделал Павел Михайлович за свою жизнь, да и потом… По его завещанию большие суммы денег были выделены на содержание галереи, на Арнольдовское училище, на различные стипендии и т.п.
П.М. Третьяков скончался 4 (16) декабря 1898 года, через 3 месяца умерла его жена Вера Николаевна.

В 1913г было решено перестроить всю экспозицию по научному принципу, на уровне крупнейших европейских музеев, чтобы, по словам Грабаря, «раскрылась в строгой последовательности эволюция искусства и чтобы при этом посетитель с наименьшей затратой времени и энергии мог получить наиболее ясное представление о содержании данного музея». В соответствии с этим принципом картины каждого художника должны были находиться в одном зале, все художественные произведения планировалось разместить в строго хронологической последовательности, начиная с древнерусской живописи и кончая произведениями современных художников. Впервые началось составление полного научного описания всего собрания, его фотографирование; были вынуты из рам и обмерены все картины. Эта работа позволила уточнить авторов многих произведений, местами изменив датировку и атрибуцию. Была создана постоянно действующая реставрационная мастерская. Изменение экспозиции и научное изучение собрания нашли отражение в новом каталоге, изданном в 1917 году под редакцией И.Э. Грабаря.
Реформы в Галерее, особенно перевеска картин, вызвали неоднозначную реакцию в обществе. Раздавались голоса протеста против изменения экспозиции, составленной еще самим Павлом Михайловичем Третьяковым. Но передовая художественная общественность поддержала Грабаря и одобрила его усилия сделать Галерею крупнейшим современным художественным музеем.

Собрание Третьяковской галереи насчитывает более 180 тысяч произведений.

На сегодняшний день галерея  расположена в 62 залах и делится по 7 направлениям:

  • залы 1 — 7                          Живопись и скульптура  XVIII века
  • залы 8 — 15                        Живопись и скульптура первой половины  XIX века
  • залы 16 — 31 и 35 -37      Живопись и скульптура второй половины  XIX века
  • залы 32 — 34 и 38 — 48   Живопись и скульптура рубежа XIX -XX веков
  • залы 49 — 54                     Графика XVIII — начала XX века
  • зал 55                                Сокровещница
  • залы 56 — 62                    Древнерусское искусство

Все те картины, которые часто видим в книгах, брошюрах, репродукциях, в живую просто поражают своим великолепием. Многие работы настолько детально прописаны, каждая складочка, каждое кружево на платьях кажутся реальными, или как сейчас сказали бы «3D» изображения. Как это им удавалось — невероятно!

Иванов Александр Андреевич
Явление Христа народу (Явление Мессии)
1837–1857    Холст, масло      540 х 750 Лаврушинский переулок, 10, зал 10


Сюжет заимствован из первой главы Евангелия от Иоанна (1: 29–31). Иванов называл этот сюжет «всемирным», он стремился показать все человечество в решающий, определяющий его судьбу момент. В центре картины – фигура Иоанна Крестителя, совершающего крещение народа в реке Иордан и указывающего на приближающегося Иисуса. Слева от Иоанна изображена группа апостолов – юный Иоанн Богослов, за ним Петр, далее Андрей Первозванный, а за его спиной – Нафанаил, так называемый «сомневающийся». На первом плане – юноши и старцы – образ непрекращающейся жизни. В центре – богатый, отшатнувшийся от Христа, и раб, о котором Иванов сказал: «Сквозь привычное страдание впервые появилась отрада». Справа – фигура «ближайшего к Христу», в котором узнается облик писателя Н.В.Гоголя. В облике странника с посохом, сидящего неподалеку от Иоанна, художник запечатлел собственные черты.

Картина, которой художник посвятил 20 лет, должна была пробуждать в людях высокие чувства и благородные стремления. Его интересовало великое духовное перерождение людей при появлении Христа. Картина осталась незаконченной. Художник охладел к ней, поняв утопичность мечты о решении социальных проблем путем нравственного самоусовершенствования.

На одной стене висит конечный вариант работы, а на другой – эскизы и наброски картин, отдельные прорисовки рук и лиц персонажей. К картине представлена серия этюдов для «Явления…», а) фигура Христа; б) для головы и фигуры Иоанна Крестителя; в) апостол Андрей (полуфигура) и т.д.

Зарянко Сергей (Сергий) Константинович
Портрет светлейшей княгини Марии Васильевны Воронцовой
1851  Холст, масло  146,9 x 120,5    Лаврушинский переулок, 10, зал 15

Он интересен тем, что светлейшая княгиня была близка к царскому двору. Водила дружбу с великой княгиней Марией Николаевной – матерью принцессы Евгении Максимилиановны Ольденбургской. Портрет подарила в музей бывшая учительница Рамонской средней школы № 1 (ныне лицея) Евгения Павловна Стрельцова.

Все работы Сергея Николаевича Зорянко отличаются просто фотографической точностью. На портрете княгини М.В.Воронцовой, задумчивая красивая женщина, сидящая на оттоманке. Он написан на пике популярности художника. В нем проявились характерные черты живописной манеры Зарянко, унаследованные от венециановской школы. Он в свойственной ему манере удивительно точно выписывает мельчайшие детали платья и прически княгини Воронцовой, натуралистично передает лицо и открытые части тела модели портрета.

Изображенная на портрете княгиня Мария Васильевна Воронцова (1819-1895), урожденная Трубецкая, после смерти первого мужа Столыпина Алексея Григорьевича (1805-1847) (один сын) в 1851 году вторично вышла замуж за светлейшего князя, генерала от инфантерии, генерал-адъютанта С.М. Воронцова (1823-1882), участника Кавказских походов.

Лично я видела эту картину впервые. Я была просто потрясена «как же это так можно передать на холст бумаги все тонкости линий и четкость изображений».  Создается впечатления реального живого присутствия этого человека. Я просто долго не могла уйти, просто вглядывалась и вглядывалась в каждую линию. И до сих пор не могу понять, не укладывается в голове. Это нужно видеть…

Флавицкий Константин Дмитриевич
Княжна Тараканова
1863  Холст, масло  245 х 187,5   Лаврушинский переулок, 10, зал 16


Внимание художника привлекла легендарная история авантюристки, известной в русской истории под именем Елизаветы Таракановой (около 1745–1775). Она выдавала себя за дочь императрицы Елизаветы Петровны от тайного брака с А.Г.Разумовским и выдвигала претензии на российский престол. По приказу Екатерины II граф А.Г.Орлов хитростью вывез Тараканову из Италии в Санкт-Петербург, где она была заключена в Петропавловскую крепость и умерла от чахотки. Излагается официальная версия истории княжны Таракановой, опубликованная в Энциклопедическом словаре. Существует также предание о гибели Таракановой во время наводнения 1777 года.Часть публики восприняла работу Флавицкого как обличение государственного деспотизма. Александр II повелел отметить, что ее сюжет «заимствован из романа, не имеющего никакой исторической истины»

Перов Василий Григорьевич
Охотники на привале
1871  Холст, масло  119 х 183   Лаврушинский переулок, 10, зал 17


Перов был страстным охотником и он не раз,наверное, оказывался свидетелем и участником похожих историй. Но данная картина не столько воспоминание о любимом занятии, сколько вполне продуманная творческая задача. В 1870 году в творчестве художника значительное место занимали картины, изображающие идеалистов, романтиков, чудаков, мечтателей, нашедших спасение от тягот жизни в общении с «безгрешным миром природы». Фронтально развернутая композиция представляет три разных характера: опытный охотник-лгун, легковерный новичок и сомневающийся в правдивости рассказа. Персонажи даны на фоне незамысловатого осеннего пейзажа  (порыжевшая, уже высохшие травы, передана прозрачная прохлада осеннего воздуха и показан первый снежок), а передний план заполнен весьма продуманным натюрмортом (подстреленная дичь и мягкая шкурка зайца, охотничье ружье, ягдташ и медь охотничьего рожка). Выдержанная в классической коричневатой гамме, картина созвучна «Охотничьим рассказам» И.С.Тургенева и демонстрирует новый этап в творчестве Перова-жанриста. Издавна утвердилась легенда, что Перову помогал писать пейзаж его друг А.К. Саврасов, одновременно с ним преподававший в Московском училище живописи, ваяния и зодчества.

Саврасов Алексей Кондратьевич
Грачи прилетели
1871  Холст, масло  62 х 48,5  Лаврушинский переулок, 10, зал 18

Картина написана по этюдам, исполненным в селе Молвитино (ныне Сусанино) Костромской губернии. Произведение, появившееся на первой передвижной художественной выставке в 1871 году, ознаменовало начало нового этапа в развитии русской пейзажной школы, рождение лирического пейзажа. Название картины воспринимается как радостный возглас, приветствующий начало весны, пробуждение природы. Это состояние природы и неразрывно связанной с ней строй чувст чутко восприняли зрители. Они увидели неяркий весенний день, корявые березы, их тонкие ветви, тянущиеся к свету и теплу, талую лужицу от осевшего снега, птиц, прилетевших из дальних краев в родные места, колокольню, сельскую церквушку -неприменные приметы русского пейзажа, бесконечные дали, уводящие взгляд к горизонту. Этой работой Саврасов утверждал идею, что самое простое, скромное явление в природе, одухотворенное личностным отношением художника, полно эстетического содержания. Пейзаж представляет открытое, незамкнутое пространство, маленькую часть мироздания, где течет обычная жизнь, ясная и простая. Мир картины гармоничен в своей обыденности, согрет человеческим теплом – дымок из трубы создает трогательную атмосферу уюта.

Картина А. Саврасова «Грачи прилетели» была написана художником в самый трагический момент его жизни — у него умерла новорожденная дочь и сильно заболела супруга. Пережив горе, Саврасов много раз пытался повторить свой шедевр, но результат его не радовал. В конечном итоге он дошел до того, что расписывал стены кабаков копиями своего творения. Платой за работу ему была выпивка и обед.

Крамской Иван Николаевич
Христос в пустыне
1872  Холст, масло  180 х 210 Лаврушинский переулок, 10, зал 20


Художник рассматривает Священную историю в контексте современной ему проблематики. Евангельские темы и образы служили в то время формой выражения идей добра и справедливости. Личность Христа понималась как олицетворение «идеального человека», жизненный путь прогрессивно настроенного индивида строился как отражение его земного пути. Крамской писал: » …Есть один момент в жизни каждого человека, мало-мальски созданного по образу и подобию Божию, когда на него находит раздумье – взять ли за Господа Бога рубль или не уступать ни шагу злу». Актуальность картине придает сходство позы Христа на полотне Крамского с позой Ф.М.Достоевского на известном портрете В.Г.Перова. Обе картины написаны в 1872 году и экспонировались на одной передвижной выставке. Вечные, общечеловеческие проблемы – центральная тема картины.

Крамской Иван Николаевич
Неизвестная
1883  Холст, масло  75,5 х 99  Лаврушинский переулок, 10, зал 20


Зрителя интригует и сама героиня картины, и ее название. «Неизвестная» — одна из самых популярных и любимых картин в русской дживописи XIX века. Само название ее окутано загадачносью, недоговоренностью, рождающими шлейф легенд, которые сопровождают полотно с момента его появления на выставке. Произведение отличается сочностью и изяществом богатой и убедительной реалистической живописи. Изображена молодая женщина в коляске на фоне Аничкова дворца в Санкт-Петербурге. Женщина не столько красива, сколь эффектна, «шикарна». Ее костюм, соответствующий новейшим тенденциям моды того времени, выдает принадлежность к «дамам полусвета». Недаром критики называли ее «кокеткой в коляске», своеобразный вариант «дамы с  камелиями», «одним из исчадий больших городов». Крамской подчеркивает некоторый демонизм черт героини – чувственные губы, глаза, подернутые поволокой, густые, с ломаным изгибом брови. Тема красоты порока станет модной у последующего поколения русских художников. Картина написана необычайно светло, сочно, раскованно; Крамской явно стремится блеснуть своим незаурядным живописным мастерством. Любуясь манящей красотой своей героини, художник вместе с тем задавался вопросом: где грань между красотой внешней и красотой душевной, нравственной? В строгом, даже пуританском искусстве Крамского «Неизвестная»  — пожалуй, единственный пример, когда художник отдает себя во власть красоты чувственной.

Куинджи Архип Иванович
Ночь на Днепре
1882 Холст, масло 104 х 143  Лаврушинский переулок, 10, зал 21


В 1880 Куинджи организовал выставку для одной только что написанной им картины «Лунная ночь на Днепре» – факт по тем временам беспрецедентный. Картина вызвала фурор. Художник избирает точку зрения издали и сверху, оставляя большую часть холста для изображения неба. Сияет диск луны, окрашивая контуры облаков в холодные тона. Лунный свет колеблется на темных водах реки, подчеркивая их медленное течение и очерчивая изысканную линию берега. По словам Крамского, «…река действительно совершает величественно свое течение, и небо настоящее, бездонное и глубокое». Крамской считал, что картина должна была экспонироваться в темном зале, с направленным на нее светом. Куинджи называли «художником света» за его любовь к светотеневым контрастам, эффектной передаче солнечных закатов, лунных ночей и полуденного освещения.

Шишкин Иван Иванович
Утро в сосновом лесу
1889 Холст, масло  139 х 213  Лаврушинский переулок, 10, зал 25


Мотив хвойного леса, к которому обращается Шишкин в этой картине, типичен для его творчества. Вечнозеленые сосны и ели подчеркивают ощущение величия и вечности мира природы. Часто встречается в картинах художника и композиционный прием, когда верхушек деревьев срезаются краем холста, и огромные мощные деревья будто бы не вмещаются даже в достаточно большое полотно. Возникает своеобразный пейзажный интерьер. У зрителя возникает впечатление, что он оказался внутри непроходимой чащи, где уютно чувствуют себя медведи, расположившиеся на сломанной сосне. Их изобразил К.А.Савицкий, который сообщил родным: «Картина продана за 4 тысячи, и я участник в 4-ю долю». Далее Савицкий сообщал, что ему пришлось поставить и свою подпись под картиной, однако затем он ее снял, тем самым отказался от авторского права.

Но и это еще не все. Вокруг картины долго не утихали споры по поводу авторства. Все дело в том, что лес и красиво пробивающиеся лучи солнца нарисовал действительно И.Шишкин, а вот медведей написал К. Савицкий, но в углу картины стоит только одна подпись – Шишкина. А все потому, что когда Третьяков купил картину, то решил снять подпись Савицкого, так как по его мнению, и замысел и манера исполнения полностью соответствует творческой манере письма именно Шишкина.

Васнецов Виктор Михайлович
Богатыри
1898 Холст, масло 295,3 х 446  Лаврушинский переулок, 10, зал 26


Картина «Богатыри» принадлежит к самым значительным произведениям В.М.Васнецова, исполненным на сюжеты сказочно-былинного эпоса. Почто 20 лет были отданы воплощению этого грандиозного замысла.  Первые эскизы появились еще в начале 1870-х годов. Воскресив грандиозные в своей духовной мощи образы былинных защитников Древней Руси – Илью Муромца, Добрыню Никитича и Алешу Поповича – Васнецов стремился на пороге ХХ века обозначить преемственность героического прошлого русского народа с его великим будущим. При всей конкретности образов, богатыри воспринимаются как мифическое олицетворение созидательных сил русской земли. Могучие фигуры на конях вздымаются подобно горам или исполинским деревьям. Под копытами богатырских коней хрупкая молодая поросль елочки и сосенки – метафора преемственности поколений. Прибегая к изобразительной гиперболе, Васнецов наделяет своих героев исконными качествами русского характера. Илья Муромец олицетворяет основательность, мудрую неторопливость и опору на опыт и традиции народа. Гордый боевой дух и стремление защищать свою землю воплощены в Добрыне Никитиче. А в образе Алеши Поповича нашло отражение поэтическое, созерцательное начало русской души, чуткость ко всем проявлениям красоты.

«Богатыри» стали самым любимым детищем художника.  Единая группа богатырей могучим утесом выступает на фоне русского пейзажа. дальний лес и облака на небе словно вторят очертаниям фигур, усиливая впечатление монументальности, величия и силы. По мысли автора, былинные герои олицетворяют собой русский народ, а пейзаж за ним — его представление и родине.

Это произведение стало одним из последних приобретений П.М. Третьякова для галереи. Вместе с автором Третьяков определил место, где оно должно было находиться. Полотно и сейчас висит на той стене, куда его поместили основатель галереи и художник.

Васнецов Виктор Михайлович
Аленушка
1881 Холст, масло  173 х 121   Лаврушинский переулок, 10, зал 26


Отказавшись от конкретного сюжета и событийности, Васнецов сумел выразить в картине душу русской сказки, родственную неяркой среднерусской природе. В образе Аленушки, написанной с крестьянской девочки, передано страдание кроткой, одинокой, всеми отвергнутой сиротки, которую можно встретить во многих сказках. Она бесконечно долго сидит на белом камне, как будто сама окаменела от страданий, в ее глазах застыло немое отчаяние. Взгляд девочки притягивает к себе подобно омуту. Темная глубина воды, в которой проступает призрачное отражение, неумолимо манит Аленушку. Фигурка девочки словно сотворена из природных форм, гаснущих вечерних красок и узоров листвы и концентрирует в себе сосредоточенную грусть осенней природы, заботливо скрывающую и охраняющую героиню. Природа утешает ее, как мать утешает свое дитя. Пейзажные мотивы навеяны поэтическими фольклорными образами, например ласточки, что собрались на веточке над головой Аленушки – добрые вестницы, помощницы в беде, а трепещущие осины – символ горькой доли.

Репин Илья Ефимович
Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года
1885 Холст, масло  199,5 х 254  Лаврушинский переулок, 10, зал 30


Иван Васильевич Грозный (1530–1584), царствовавший под именем Ивана IV, великий князь «всея Руси» (с 1533), первый русский царь (венчание состоялось в 1547). Созвал первый Земский (1549–1550) и Стоглавый (1551) соборы, покорил Казанское (1552) и Астраханское (1556) ханства. В его правление Ермаком была покорена Сибирь (1581). Вторая половина царствования омрачена опричниной и массовыми казнями. Темой картины стал эпизод из жизни Ивана Грозного, когда он в припадке гнева до смерти избил своего сына царевича Ивана. Репин не случайно указывает в названии картины точную дату, ее замысел возник под впечатлением современных художнику событий – убийства императора Александра II 1-го марта 1881 года и казней террористов. Репин писал: «Естественно было искать выхода наболевшему трагизму в истории… Чувства были перегружены ужасами современности…» Необычайного напряжения достигает психологический контраст героев, почти иконописно спокойного лица царевича и лица царя Ивана, с выкатившимися глазами, в брызгах крови. Красный цвет играет доминирующую роль в картине, он повсюду – от розового на рубахе царевича до глухого бордового на заднем плане. Живописная экспрессия картины исключительна для своего времени.

Интересный факт о картине. В 1913 году она была изрезана безумцем иконописцем, сыном Абрама Балашова. Картина пострадала довольно сильно, лица персонажей пришлось писать заново. Сначала это сделал сам автор картины – Иван Репин. Но нарисованная в лиловых тонах голова Ивана Грозного никак не сочеталась с остальной цветовой гаммой картины. Позже реставраторам все же удалось восстановить первоначальный вид.

Нестеров Михаил Васильевич
Видение отроку Варфоломею
1889–1890 Холст, масло   160 х 211  Лаврушинский переулок, 10, зал 39


Личность преподобного Сергия Радонежского волновала художника на протяжении всей жизни. Картина открывает цикл произведений, посвященных деяниям святого преподобного Сергия Радонежского (около 1321–1391), основателя и игумена Троице-Сергиева монастыря, носившего в миру имя Варфоломей. Сергий – один из наиболее почитаемых русских святых, отроческий образ которого стал для художника символом надежды на возрождение русской духовности. Нестеров использует эпизод из жития Сергия. В отличие от братьев, Варфоломею трудно давалась грамота. Однажды в поисках пропавшего стада отрок забрел в лес, где встретил монаха-черноризца, молящегося под дубом. Узнав, что мальчик тщетно стремится овладеть грамотой, он начал молится о просвящении дитяти свыше, затем, достав ковчег, вынул частицу просфоры и, благословив ею Варфоломея, сказал: » Воозьми, чадо, съешь: сия дается тебе в знамение благодати Божией и разумение Святого Писания». Складная иконка в руке старца, напоминающая храм, церковка вдали – символы будущих свершений святого. Хрупкая фигурка отрока созвучна тонким молодым деревцам, ломким былинкам, молодой сосенке, пробивающейся у его ног. Напротив, темная фигура старца таинственно появляется из-за древнего дуба. Его лик сокрыт, вокруг головы светящийся нимб. Словно созерцание задумчивого осеннего пейзажа вызвало в воображении художника это видение.
Нестерову удалось выразить великое мистическое значение встечи. Скромный русский пейзаж наполнен ожиданием чуда,  теплый свет осени таинственно преображает обыденную реальность. Художник построил композицию, чередуя пераллельные планы, передающие ощущение глубины пространства. В стремлении отобразить двойственность мира, когда фантастическое просвечивает сквозь реальное, проявляется влияние символизма.

Серов Валентин Александрович
Девочка с персиками. Портрет В.С.Мамонтовой
1887  Холст, масло  91 х 85   Лаврушинский переулок, 10, зал 41


Серов подолгу гостил в Абрамцеве, подмосковном имении С.И. Мамонтова. Здесь, в столовой усадебного дома, и была написана знаменитая картина. Картина передает атмосферу артистизма царившую в Абрамцеве. В ней воплотился идеал «отрадного», определивший дальнейший путь русского импрессионизма. В центре – портретный образ старшей дочери С.И.Мамонтова — Веры, 12-летней дочери мецената. Художника увлекает гармоничный внутренний мир этой маленькой «музы» Абрамцевского кружка. Вокруг портретного изображения девочки Серов «собирает» фрагменты интерьера, пейзажа, натюрморта. Льющийся из окна свет растворяет контуры предметов. Помещенную против света фигуру модели, Серов написал в теплых тонах – контрастных холодным тонам пространства. Эти импрессионистические открытия, а также цветовые рефлексы, дробные мазки наполняют изображение внутренним движением, организованным вокруг центрального композиционного треугольника. Картина обладает особой притягательностью благодаря «обратной композиции», развернутой на зрителя. Нетерпеливость позы модели соединяется с задумчивостью, таящейся в глубине ее черных глаз. Художник достигает равновесия душевного состояния девочки и окружающего ее мира.
В 22 года Серов создал шедевр, уровня которого он пытался достичь всю остальную жизнь. Особое внимание он уделял лицу девочки, любуясь ясностью и серьезностью его выражения. Соединив портрет с изображением интерьера, художник создал новый тип — портрет-картина.

Сокровищница Третьяковской галереи располагает богатой и ценной коллекцией художественных произведений XII–XX веков, которые имеют в своем составе благородные металлы и драгоценные камни. Это разнообразные предметы церковного и светского назначения. Старинные книги и иконы.

Третьяковка — одно из тех мест в России, которое должен посетить каждый человек. С детства знакомые картины, которые были в учебниках, книгах, вот они все здесь — ОРИГИНАЛЫ! Даже не верилось, когда смотрела на них, как художники передают жизнь, мысли, чувства с помощью кисти и красок — ВПЕЧАТЛЯЕТ! Если ходить и всматриваться в каждый шедевр и дня мало.

Если вы будите в Москве, то обязательно для экскурсии по Галереи нужно выделить день, чтобы обойти спокойно все залы и наслаждаться творчеством. В галереи все очень логично выстроено, очень удобные переходы из одного зала, в другой, тут сложно потеряться, каждый зал пронумерован.

Низкий поклон Павлу Третьякову за шедевры. Сказать, что мне понравилось — не сказать ничего. Я в полнейшем восторге! К каждому полотну подходишь, и словно переносишься в те события, которые на картине.

Всем, и даже не любящим искусство людям стоит посетить просто ради того, чтобы сказать: «Я там был, я видел».  А увидев эти бесценные шедевры, никто уже не останется равнодушным. Каждая картина краше другой. Можно часами стоят у одной из картин и просто любоваться ее красотой. Меняется мировосприятие. Советую всем!

Поделиться ссылкой:

Post Author: admin

Добавить комментарий